Charlie Parker


Enfance

Charles Parker Jr (29 août 1920 – 12 mars 1955), également connu sous le nom de Yardbird and Bird, était un saxophoniste et compositeur de jazz américain.

Parker était un soliste de jazz très influent et une figure de proue dans le développement du bebop[2], une forme de jazz caractérisée par des tempos rapides, une technique virtuose et des harmonies avancées. Parker était un virtuose d’une vitesse fulgurante, et il a introduit des idées harmoniques révolutionnaires, y compris des accords de passing rapides, de nouvelles variantes d’accords modifiés, et des substitutions d’accords. Parker a acquis le surnom de « Yardbird » au début de sa carrière sur la route avec Jay McShann, et son timbre variait de clair et pénétrant à doux et sombre. Cette forme, et la forme abrégée « Bird », a continué à être utilisée pour le reste de sa vie, inspirant les titres de plusieurs compositions de Parker, telles que « Yardbird Suite », « Ornithology », « Bird Gets the Worm », et « Bird of Paradise ». Parker était une icône de la sous-culture hipster et plus tard de la Beat Generation, personnifiant le musicien de jazz comme un artiste et un intellectuel intransigeant plutôt que comme un simple artiste de divertissement. [4]

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Charles Parker Jr. est né à Kansas City, Kansas au 852 Freeman Avenue, et a grandi à Kansas City, Missouri près de Westport et plus tard – à l’école secondaire – près de 15th et Olive Street. Il était le seul enfant de Charles Parker et d’Adélaïde « Addie » (Bailey), qui était d’origine afro-américaine et de Choctaw mixte. Il fréquente le Lincoln High School[6] en septembre 1934, mais se retire en décembre 1935, juste avant de se joindre au syndicat local des musiciens et de poursuivre sa carrière musicale à temps plein[7] Son amour d’enfance et future épouse, Rebecca Ruffin, obtient son diplôme du Lincoln High School en juin 1935.


Carrière

Parker a commencé à jouer du saxophone à l’âge de 11 ans et, à 14 ans, il s’est joint à l’orchestre de son école secondaire où il a étudié sous la direction du chef de musique Alonzo Lewis. Sa mère a acheté un nouveau saxophone alto à la même époque. Son père, Charles père, était souvent appelé à voyager pour le travail, mais il avait une certaine influence musicale parce qu’il était pianiste, danseur et chanteur sur le circuit T.O.B.A.. Plus tard, il est devenu serveur ou chef Pullman sur les chemins de fer. La mère de Parker, Addie, travaillait de nuit au bureau local de Western Union. Sa plus grande influence à cette époque était un jeune tromboniste du nom de Robert Simpson qui lui a enseigné les rudiments de l’improvisation[8]. [9]

Au milieu des années 1930, Parker a commencé à pratiquer avec diligence. Durant cette période, il maîtrise l’improvisation et développe certaines des idées qui ont mené au développement ultérieur de Bebop . Dans une entrevue avec Paul Desmond, il a dit qu’il avait passé trois ou quatre ans à pratiquer jusqu’à 15 heures par jour. [10]

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Les groupes menés par Count Basie et Bennie Moten ont certainement influencé Parker. Il a joué avec des groupes locaux dans des clubs de jazz de la région de Kansas City, au Missouri, où il a perfectionné sa technique, avec l’aide de Buster Smith, dont les transitions dynamiques vers le double et le triple temps ont influencé le développement du style de Parker.


Début de carrière

À la fin du printemps 1936, Parker a joué à une jam session au Reno Club à Kansas City. Sa tentative d’improvisation a échoué quand il a perdu la trace des changements d’accords. C’est ce qui a poussé Jo Jones, le batteur de l’Orchestre de Count Basie, à lancer méprisamment une cymbale à ses pieds comme un signal pour quitter la scène. Cependant, plutôt que de décourager Parker, l’incident l’a poussé à faire le vœu de s’exercer davantage et s’est avéré être un moment déterminant dans la carrière du jeune musicien lorsqu’il est revenu comme un nouvel homme un an plus tard[11]. 12] Parker demanda sa femme Rebecca Ruffin en mariage la même année et les deux se marièrent le 25 juillet 1936. À l’automne 1936, Parker voyageait avec un groupe de Kansas City aux Ozarks pour l’ouverture de la Clarence Musser’s Tavern au sud d’Eldon, Missouri. En cours de route, la caravane de musiciens a eu un accident de voiture et Parker s’est cassé trois côtes et s’est fracturé la colonne vertébrale. L’accident a mené aux problèmes ultimes de Parker avec les analgésiques et les opioïdes, en particulier l’héroïne[14]. Parker s’est battu avec la drogue pour le reste de sa vie.

Malgré son expérience de mort imminente sur le chemin des Ozarks en 1936, Parker revient dans la région en 1937 où il passe beaucoup de temps à faire du bois et à développer son son son. 15] En 1938, Parker se joint à l’orchestre du territoire du pianiste Jay McShann. Le groupe a fait des tournées dans des boîtes de nuit et d’autres endroits dans le sud-ouest, ainsi qu’à Chicago et à New York[16]. Parker a fait ses débuts professionnels avec le groupe de McShann.

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En 1939, Parker s’installe à New York pour faire carrière dans la musique. Il a également occupé plusieurs autres postes. Il travaillait neuf dollars par semaine comme plongeur au Jimmie’s Chicken Shack, où le pianiste Art Tatum se produisait. C’est en 1939 à New York que Parker fait sa percée musicale qui a commencé en 1937 dans les Ozarks du Missouri. En jouant à travers les changements sur Cherokee, Parker a découvert un nouveau vocabulaire musical et sonore qui a changé à jamais le cours de l’histoire de la musique.


ville de New York

En 1940, il retourne à Kansas City pour se produire avec Jay McShann et assister aux funérailles de son père, Charles, Sr. il joue à Fairyland Park l’été avec le groupe de McShann à la 75e et Prospect for all-white audiences. Le bon côté de l’été fut son introduction à Dizzy Gillespie par Step Buddy Anderson près de la 19e et Vine à l’été 1940. Après la saison estivale à Fairyland, Parker part avec le groupe de McShann pour des concerts dans la région. Lors d’un voyage à Omaha, McShann et le groupe lui ont donné son surnom après un incident avec un poulet et le bus de tournée.

En 1942, Parker quitte le groupe de McShann et joue pendant un an avec Earl Hines, dont le groupe comprend Dizzy Gillespie, qui jouera plus tard en duo avec Parker. Cette période n’est pratiquement pas documentée, en raison de la grève de 1942-1943 de l’American Federation of Musicians, durant laquelle peu d’enregistrements professionnels ont été réalisés. Parker s’est joint à un groupe de jeunes musiciens et a joué dans des clubs de Harlem, tels que Clark Monroe’s Uptown House . Ces jeunes iconoclastes comprenaient Gillespie, le pianiste Thelonious Monk, le guitariste Charlie Christian et le batteur Kenny Clarke. L’attitude des beboppers se résume dans une célèbre citation attribuée à Monk par Mary Lou Williams : « Nous voulions une musique qu’ils ne pouvaient pas jouer »[21] – « ils » se référant aux chefs d’orchestre blancs qui avaient usurpé et profité de la musique swing . Le groupe a joué dans des salles de la 52e Rue, dont Three Deuces et l’Onyx. Pendant son séjour à New York, Parker a étudié avec son professeur de musique, Maury Deutsch . Citation nécessaire ]

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Selon une interview accordée par Parker dans les années 1950, un soir de 1939, il jouait  » Cherokee  » lors d’une jam session avec le guitariste William  » Biddy  » Fleet lorsqu’il a trouvé une méthode pour développer ses solos qui a permis une de ses principales innovations musicales. Il s’est rendu compte que les 12 demi-tons de la gamme chromatique peuvent conduire mélodiquement à n’importe quelle tonalité, brisant ainsi certaines limites du simple solo de jazz.


Bebop

Au début de son développement, ce nouveau type de jazz a été rejeté par de nombreux musiciens de jazz traditionnels établis qui méprisaient leurs homologues plus jeunes. Les beboppers ont répondu en qualifiant ces traditionalistes de  » figues moisies « . Cependant, certains musiciens, comme Coleman Hawkins et Tatum, ont été plus positifs quant à son développement et ont participé aux jam sessions et aux dates d’enregistrement de la nouvelle approche avec ses adeptes.

En raison de l’interdiction de tous les enregistrements commerciaux de 1942 à 1944 par le Syndicat des musiciens, qui a duré deux ans, une grande partie du développement du bebop au début n’a pas été capturée pour la postérité. En conséquence, il a été peu exposé à la radio. Les musiciens de Bebop ont eu du mal à se faire connaître. Ce n’est qu’en 1945, lorsque l’interdiction d’enregistrer fut levée, que les collaborations de Parker avec Dizzy Gillespie, Max Roach, Bud Powell et d’autres ont eu un effet important sur le monde du jazz. (L’un de leurs premiers concerts en petit groupe a été redécouvert et publié en 2005 : un concert au Town Hall de New York le 22 juin 1945). Le Bebop a rapidement gagné en popularité auprès des musiciens et des fans.

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Le 26 novembre 1945, Parker dirige une date record pour le label Savoy, commercialisé comme « la plus grande session de jazz de tous les temps ». Enregistrant sous le nom de Charlie Parker’s Reboppers, Parker a enrôlé des sidemen tels que Gillespie et Miles Davis à la trompette, Curly Russell à la basse et Max Roach à la batterie. Parmi les titres enregistrés lors de cette session figurent  » Ko-Ko « ,  » Billie’s Bounce  » et  » Now’s the Time « .


Charlie Parker avec cordes Cordes

En 1952, Parker et Gillespie sortent un album intitulé « Bird and Diz ». Peu de temps après, le groupe Parker/Gillespie se rend au club de Billy Berg à Los Angeles pour un engagement raté. La plupart des membres du groupe sont retournés à New York, mais Parker est resté en Californie, encaissant son billet de retour pour acheter de l’héroïne. Il a connu de grandes difficultés en Californie, où il a finalement été interné à l’hôpital psychiatrique de l’État de Camarillo pour une période de six mois.

Un désir de longue date de Parker était de jouer avec une section de cordes . Il était un étudiant passionné de musique classique, et les contemporains ont déclaré qu’il s’intéressait surtout à la musique et aux innovations formelles d’Igor Stravinsky et qu’il désirait s’engager dans un projet semblable à ce qu’on appellera plus tard Third Stream, un nouveau genre de musique, intégrant des éléments jazz et classiques plutôt que simplement intégrer une section à cordes dans la prestation des standards du jazz. Le 30 novembre 1949, Norman Granz fait enregistrer par Parker un album de ballades avec un groupe mixte de musiciens de jazz et d’orchestre de chambre. Six prises maîtresses de cette session comprenaient l’album Charlie Parker with Strings :  » Just Friends « ,  » Everything Happens to Me « ,  » April in Paris « ,  » Summertime « ,  » I Didn’t Know What Time It Was « , et  » If I Should Lose You « .

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En 1953, Parker se produit au Massey Hall de Toronto, au Canada, avec Gillespie, Mingus, Powell et Roach. Malheureusement, le concert a eu lieu en même temps qu’un match de boxe télévisé entre Rocky Marciano et Jersey Joe Walcott, de sorte que l’événement musical était peu fréquenté. Mingus a enregistré le concert, ce qui a donné lieu à l’album Jazz at Massey Hall . Lors de ce concert, Parker a joué d’un saxophone en plastique Grafton . A ce stade de sa carrière, il expérimentait de nouveaux sons et de nouveaux matériaux. Parker lui-même expliqua le but du saxophone en plastique dans une émission diffusée le 9 mai 1953 à partir de Birdland et l’expliqua de nouveau dans une autre émission en mai 1953. Parker est connu pour avoir joué plusieurs saxophones, dont le Conn 6M, le Martin Handicraft et le Selmer Model 22. Il est également connu pour avoir joué avec un saxophone King « Super 20 ». Le saxophone King Super 20 de Parker a été spécialement conçu pour lui en 1947. Citation nécessaire ]


Jazz à Massey Hall >Jazz à Massey Hall

La vie de Parker était pleine de dépression et d’héroïnomanie. Cette dépendance l’a amené à manquer des représentations et à être considéré comme inemployable. Il a souvent eu recours au busking, recevant des prêts de ses collègues musiciens et admirateurs, et mettant ses saxophones en gage pour de l’argent de la drogue. La consommation d’héroïne est très répandue sur la scène du jazz, et les consommateurs peuvent l’acquérir sans difficulté. Citation nécessaire ]

Bien qu’il produisit de nombreux enregistrements brillants pendant cette période, le comportement de Parker devint de plus en plus erratique. L’héroïne était difficile à obtenir une fois qu’il a déménagé en Californie, où la drogue était moins abondante, alors il a utilisé l’alcool comme substitut. Un enregistrement pour l’étiquette Dial du 29 juillet 1946 témoigne de son état. Avant cette séance, Parker a bu un quart de whisky. D’après les notes de Charlie Parker sur Dial Volume 1, Parker a manqué la plupart des deux premières mesures de son premier refrain sur la piste, « Max Making Wax ». Quand il est finalement arrivé, il s’est balancé sauvagement et s’est retourné une fois de tous côtés, loin de son microphone. Sur le morceau suivant,  » Lover Man « , le producteur Ross Russell soutient physiquement Parker. Sur « Bebop » (le dernier morceau que Parker a enregistré ce soir-là), il commence un solo avec une solide première série de huit mesures ; sur sa deuxième série de huit mesures, cependant, il commence à lutter, et un Howard McGhee désespéré, le trompettiste de cette session, lui crie, « Blow ! Charles Mingus considère cette version de « Lover Man » comme l’un des plus grands enregistrements de Parker, malgré ses défauts. Néanmoins, Parker détestait l’enregistrement et n’a jamais pardonné à Ross Russell de l’avoir sorti. Il réenregistre la mélodie en 1951 pour Verve .

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La vie de Parker s’est détériorée lorsque sa fille de 2 ans est morte d’une pneumonie. Il a tenté de se suicider à deux reprises en 1954, ce qui l’a conduit dans un hôpital psychiatrique. [25]


Vie personnelle

Lorsque Parker a reçu son congé de l’hôpital, il était propre et en bonne santé. Avant de quitter la Californie, il enregistre  » Relaxin’ at Camarillo  » en référence à son séjour à l’hôpital. De retour à New York, il reprend sa dépendance à l’héroïne et enregistre des dizaines de morceaux pour les labels Savoy et Dial, qui restent quelques-uns des points forts de sa production enregistrée. Beaucoup d’entre eux étaient avec son soi-disant « quintette classique », dont Davis et Roach. [26]

Parker est décédé le 12 mars 1955 dans la suite de son amie et protectrice, la baronne Pannonica de Koenigswarter, au Stanhope Hotel de New York, en regardant le spectacle The Dorsey Brothers ‘ Stage Show à la télévision. Les causes officielles de décès étaient une pneumonie lobaire et un ulcère hémorragique, mais Parker avait aussi un cas avancé de cirrhose et avait subi une crise cardiaque. Le coroner qui a procédé à l’autopsie a estimé par erreur que le corps de Parker, âgé de 34 ans, avait entre 50 et 60 ans. [27]

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Depuis 1950, Parker vivait avec Chan Berg, la mère de son fils Baird (qui a vécu jusqu’en 2014)[28] et de sa fille Pree (qui est décédée alors qu’elle était un nourrisson atteint de mucoviscidose). Il considérait Chan comme sa femme bien qu’il ne l’ait jamais épousée, et il n’a pas non plus divorcé de son ancienne femme, Doris, qu’il avait épousée en 1948. Son état matrimonial compliqua le règlement de la succession de Parker et finit par frustrer son désir d’être enterré discrètement dans la ville de New York.


Enjeux

Dizzy Gillespie a payé les arrangements funéraires[29] et a organisé une procession dans l’État de Harlem, une procession présidée par le député et révérend Adam Clayton Powell, Jr. ainsi qu’un concert commémoratif. Le corps de Parker a été rapatrié dans le Missouri, conformément aux souhaits de sa mère. Berg a critiqué Doris et la famille de Parker pour lui avoir donné des funérailles chrétiennes, même s’ils savaient qu’il était un athée confirmé. Parker a été enterré au cimetière Lincoln Cemetery, dans le Missouri, dans un hameau connu sous le nom de Blue Summit, situé près de la I-435 et de East Truman Road.

Le domaine de Parker est géré par Jampol Artist Management.

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Le style de composition de Parker consistait à interpoler des mélodies originales sur des formes et des standards de jazz existants, une pratique connue sous le nom de contrafact et toujours courante dans le jazz aujourd’hui. Citons par exemple  » Ornithology  » (qui emprunte la progression d’accords du standard de jazz  » How High the Moon  » et qui serait co-écrit avec le trompettiste Little Benny Harris), et  » Moose The Mooche  » (une des nombreuses compositions de Parker basée sur la progression d’accords du morceau  » I Got Rhythm « ). Cette pratique n’était pas rare avant le bebop, mais elle est devenue une signature du mouvement à mesure que les artistes commençaient à s’éloigner de l’arrangement de standards populaires et à composer leur propre matériel.


Mort

Alors que « Now’s The Time », « Billie’s Bounce », « Au Privave », « Barbados », « Relaxin’ at Camarillo », « Bloomdido » et « Cool Blues » étaient basés sur des changements classiques du blues à 12 mesures, Parker a également créé une version unique des 12 mesures de blues de morceaux comme  » Blues for Alice « ,  » Laird Baird  » et  » Si si « . Ces accords uniques sont connus sous le nom populaire de  » Bird Changes « . Comme ses solos, certaines de ses compositions se caractérisent par des lignes mélodiques longues et complexes et un minimum de répétitions, bien qu’il ait utilisé la répétition dans certaines mélodies, notamment « Now’s The Time ».

Parker a grandement contribué au solo de jazz moderne, dans lequel les triolets et les notes de reprises ont été utilisés de façon peu orthodoxe pour mener à des notes d’accords, ce qui a donné au soliste plus de liberté pour utiliser les notes de passage, ce que les solistes évitaient auparavant. Parker était admiré pour son style unique de phrasé et son utilisation novatrice du rythme. Grâce à ses enregistrements et à la popularité du livre de Charlie Parker Omnibook publié à titre posthume, le style identifiable de Parker a dominé le jazz pendant de nombreuses années à venir.

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Parmi les autres compositions bien connues de Parker figurent  » Ah-Leu-Cha « ,  » Anthropology « , co-écrite avec Gillespie,  » Confirmation « ,  » Constellation « ,  » Donna Lee « ,  » Moose the Mooche « ,  » Scrapple from the Apple  » et  » Yardbird Suite « , dont la version vocale est intitulée  » What Price Love  » et dont les paroles sont de Parker.


Music

Miles Davis a dit un jour : « Vous pouvez raconter l’histoire du jazz en quatre mots : Louis Armstrong . Charlie Parker. » [31]

prix Grammy

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Temple de la renommée du Grammy


Discography

Les enregistrements de Charlie Parker ont été intronisés au Grammy Hall of Fame, qui est un prix Grammy spécial créé en 1973 pour honorer les enregistrements qui ont au moins vingt-cinq ans, et qui ont « une signification qualitative ou historique ».

Induction

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Honneurs du gouvernement


Prix et reconnaissances

En 1995, le U.S. Postal Service a émis un timbre-poste commémoratif de 32 cents en l’honneur de Parker. [34]

En 2002, la Bibliothèque du Congrès a honoré son enregistrement  » Ko-Ko  » (1945) en l’ajoutant au National Recording Registry .

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De 1950 à 1954, Parker et son épouse de fait, Chan Berg, vivaient au rez-de-chaussée de la maison en rangée, au 151, avenue B, en face du Tompkins Square Park dans le East Village de Manhattan. L’édifice néo-gothique, construit vers 1849[37], a été inscrit au National Register of Historic Places en 1994[38] et a été désigné monument historique de la ville de New York en 1999. L’avenue B entre la 7e Rue Est et la 10e Rue Est a reçu la désignation honorifique « Charlie Parker Place » en 1992.


Résidence Charlie Parker

Nous remercions nos sources pour leur aide https://en.wikipedia.org/wiki/Charlie_Parker

Traduction – Copyright 100% Django 2018-2019

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