Earl Hines


biography

Earl Kenneth Hines, universellement connu sous le nom de Earl  » Fatha « [nb 1] Hines (28 décembre 1903[nb 2] – 22 avril 1983), était un pianiste de jazz et chef d’orchestre américain . Il a été l’une des personnalités les plus influentes dans le développement du piano jazz et, selon une source majeure, il est « l’un des rares pianistes dont le jeu a façonné l’histoire du jazz ». [1]

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Le trompettiste Dizzy Gillespie (membre du big band de Hines, avec Charlie Parker) a écrit : « Le piano est la base de l’harmonie moderne. Ce petit gars est venu de Chicago, Earl Hines. Il a changé le style du piano. Vous pouvez trouver les racines de Bud Powell, Herbie Hancock, tous les gars qui sont venus après ça. S’il n’y avait pas eu Earl Hines qui a ouvert la voie à la prochaine génération, on ne sait pas où et comment ils joueraient maintenant. Il y avait des variations individuelles, mais le style du piano moderne venait d’Earl Hines. » [2]


Début de la vie

Le pianiste Lennie Tristano a dit : « Earl Hines est le seul d’entre nous capable de créer du vrai jazz et du vrai swing en jouant tout seul ». Horace Silver a dit : « Il a un style tout à fait unique. Personne ne peut obtenir ce son, aucun autre pianiste ». Erroll Garner a dit : « Quand vous parlez de grandeur, vous parlez d’Art Tatum et d’Earl Hines ». [4]

Count Basie disait que Hines était « le plus grand pianiste du monde ». [5]

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Earl Hines est né à Duquesne, Pennsylvanie, à 12 miles du centre de Pittsburgh, en 1903. Son père, Joseph Hines,[nb 3], jouait du cornet et était le chef du Eureka Brass Band à Pittsburgh,[6] et sa belle-mère était organiste d’église. Hines avait l’intention de suivre son père sur un cornet, mais « souffler » lui faisait mal derrière les oreilles, alors que le piano ne le faisait pas[7]. 8][9][10] Les jeunes Hines ont pris des leçons de piano classique . À l’âge de onze ans, il jouait de l’orgue dans son église baptiste. Il avait « une bonne oreille et une bonne mémoire » et pouvait rejouer des chansons après les avoir entendues au théâtre et dans les concerts du parc : Je jouais des chansons de ces spectacles des mois avant que les copies des chansons ne sortent. Cela étonnait beaucoup de gens et ils me demandaient où j’avais entendu ces chiffres et je leur disais au théâtre où mes parents m’avaient emmené. » Plus tard, Hines a dit qu’il jouait du piano autour de Pittsburgh « avant même que le mot « jazz » soit inventé ». [10]


Début de carrière

Avec l’approbation de son père, Hines quitte la maison à l’âge de 17 ans pour aller jouer du piano avec Lois Deppe et ses Serenaders symphoniques au Liederhaus, une boîte de nuit de Pittsburgh. Il avait sa pension, deux repas par jour,[14] et 15 $ par semaine. Deppe, un baryton bien connu qui chantait des chansons classiques et populaires, utilisa également les jeunes Hines comme accompagnateur de concert et l’emmena à New York pour ses voyages de concert. En 1921, Hines et Deppe sont devenus les premiers Afro-Américains à se produire à la radio. Les premiers enregistrements de Hines accompagnaient Deppe – quatre groupes enregistrés chez Gennett Records en 1923, encore aux tout débuts de l’enregistrement sonore[17]. Seuls deux d’entre eux ont été publiés, dont l’un était une composition des Hines, « Congaine », « un fox-trot vif et vif »,[19] qui comportait également un solo de Hines. Un mois plus tard, il entre de nouveau en studio avec Deppe pour enregistrer des spirituals et des chansons populaires, dont  » Sometimes I Feel Like a Motherless Child « [20] et  » For the Last Time Call Me Sweetheart « .

En 1925, après de nombreux débats familiaux, Hines s’installe à Chicago, dans l’Illinois, alors capitale mondiale du jazz, lieu de résidence de Jelly Roll Morton et du roi Oliver… Hines commence au Elite No. 2 Club mais rejoint rapidement le groupe de Carroll Dickerson, avec qui il tourne également au Pantages Theatre Circuit à Los Angeles et retour.

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Hines a rencontré Louis Armstrong dans la salle de billard du Black Musicians’ Union, local 208, sur State et 39e à Chicago. Hines avait 21 ans, Armstrong 24. Ils jouaient du piano du syndicat ensemble. Armstrong était stupéfait par le jeu avant-gardiste de Hines au piano « à la trompette », utilisant souvent des octaves d’une rapidité éblouissante de sorte que sur des pianos droits non trop parfaits (et sans amplification) « ils pouvaient m’entendre à l’avant ». Richard Cook a écrit dans Jazz Encyclopedia que


années Chicago

L’écart le plus dramatique par rapport à ce que les autres pianistes jouaient à l’époque était son approche de l’impulsion sous-jacente : il chargeait sur le mètre de la pièce jouée, mettait l’accent sur les temps morts, introduisait des arrêts brusques et de brefs silences. Dans d’autres mains, cela peut sembler maladroit ou un peu partout, mais Hines pouvait garder ses repères avec une résistance étonnante. [22]

Armstrong et Hines sont devenus de bons amis et ont partagé une voiture. Armstrong s’est joint à Hines dans le groupe de Carroll Dickerson au Sunset Cafe . En 1927, c’est devenu le groupe d’Armstrong sous la direction musicale de Hines. Plus tard dans l’année, Armstrong réorganisa son groupe d’enregistrement Okeh Records, Louis Armstrong and His Hot Five, et engagea Hines comme pianiste, en remplacement de son épouse, Lil Hardin Armstrong, à l’instrument[23].

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Armstrong et Hines ont ensuite enregistré ce qui est souvent considéré comme l’un des disques de jazz les plus importants jamais réalisés.


La naissance du bebop

… avec l’arrivée au piano d’Earl Hines, Armstrong approchait déjà de la stature d’un concerto soliste, un rôle qu’il jouera plus ou moins tout au long de la décennie suivante, ce qui fait de ces dernières séances en petits groupes un peu comme un adieu réticent au premier âge d’or du jazz. Comme Hines est aussi magnifique sur ces disques (et leur exubérance insouciante est une merveille sur le duo « Weather Bird »), les résultats ressemblent à une écoute clandestine des grands hommes qui parlent presque tranquillement entre eux. Il n’y a rien dans le jazz de plus beau et de plus émouvant que le jeu sur  » West End Blues « ,  » Tight Like This « ,  » Beau Koo Jack  » et  » Muggles « . [24]

Le Sunset Café a fermé ses portes en 1927. Hines, Armstrong et le batteur Zutty Singleton ont convenu qu’ils deviendraient les « Unholy Three » – ils « resteraient ensemble et ne joueraient pour personne à moins que nous trois ne soyons engagés ». Mais comme Louis Armstrong et ses Stompers (avec Hines comme directeur musical et les locaux loués au nom de Hines), ils ont eu de la difficulté à établir leur propre salle, le Warwick Hall Club[25]. Hines se rendit brièvement à New York et y retourna pour découvrir qu’Armstrong et Singleton avaient rejoint le groupe rival Dickerson au nouveau Savoy Ballroom en son absence,[nb 6] laissant Hines « chaud ». Quand Armstrong et Singleton lui demandèrent plus tard de les rejoindre avec Dickerson au Savoy Ballroom, Hines répondit : « Non, vous m’avez laissé sous la pluie et avez brisé la petite société que nous avions ». [26]

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Hines s’est joint au clarinettiste Jimmie Noone au Apex, un bar clandestin qui joue de minuit à six heures du matin, sept soirs par semaine. En 1928, il enregistre 14 faces avec Noone et de nouveau avec Armstrong (pour un total de 38 faces avec Armstrong). Ses premiers solos pour piano ont été enregistrés à la fin de l’année : huit pour QRS Records à New York, puis sept pour Okeh Records à Chicago, tous sauf deux de ses propres compositions.


Redécouverte

Hines emménage chez Kathryn Perry (avec qui il a enregistré « Sadie Green the Vamp of New Orleans »). Hines a dit d’elle : « Elle avait aussi été au Sunset, dans un numéro de danse. C’était une très charmante et jolie fille. Elle avait une bonne voix et jouait du violon. J’avais divorcé et elle est devenue ma femme de fait. Nous vivions dans un grand appartement et ses parents sont restés avec nous ». Perry enregistre plusieurs fois avec Hines, dont  » Body & Soul  » en 1935. Ils restèrent ensemble jusqu’en 1940, date à laquelle Hines la « divorça » pour épouser Ann Jones Reed, mais ce mariage fut bientôt « reporté indéfiniment ». [28]

Hines a épousé la chanteuse’Lady of Song’ Janie Moses en 1947. Ils eurent deux filles, Janear (née en 1950) et Tosca. Les deux filles sont mortes avant lui, Tosca en 1976 et Janear en 1981. Janie a divorcé le 14 juin 1979.

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Le 28 décembre 1928 (son 25e anniversaire et six semaines avant le massacre de la Saint-Valentin), les Hines, toujours impeccables, ont ouvert leurs portes au Grand Terrace Café de Chicago, à la tête de son propre big band, le summum de l’ambition jazz à l’époque. « Toute l’Amérique dansait « , dit Hines,[10] et pendant les 12 années suivantes, et pendant les pires de la Grande Dépression et de la Prohibition, le groupe de Hines était l’orchestre de la Grande Terrasse. L’Orchestre des Hines – ou « Organisation », comme Hines le préférait – comptait jusqu’à 28 musiciens et faisait trois concerts par soir à la Grande Terrasse, quatre concerts tous les samedis et parfois le dimanche. Selon Stanley Dance, « Earl Hines et The Grand Terrace étaient à Chicago ce que Duke Ellington et The Cotton Club étaient à New York – mais plus ardents. » [29]


Dernières années

La Grande Terrasse était contrôlée par le gangster Al Capone, alors Hines est devenu le « Mr Piano Man » de Capone. Le piano droit de Grand Terrace fut bientôt remplacé par un piano Bechstein blanc de 3 000 $. En parlant de ces jours-là, Hines a dit plus tard :

… Al[Capone] est venu là un soir et a appelé tout le groupe et a dit ensemble : « Maintenant, nous voulons vous faire connaître notre position. On veut juste que vous vous occupiez de vos affaires. Nous vous donnerons toute la Protection du monde mais nous voulons que vous soyez comme les 3 singes : vous n’entendez rien et vous ne voyez rien et vous ne dites rien ». Et c’est ce que nous avons fait. Et j’entendais beaucoup de choses qu’ils allaient faire, mais je ne l’ai jamais dit à personne. Parfois, la police venait à la recherche d’un bouc émissaire et lui demandait : « Earl, de quoi parlait-il ? »…. mais je lui ai dit : « Je ne sais pas – non, vous n’allez pas me mettre ça sur le dos », parce qu’ils avaient l’habitude de mettre les photos de différentes personnes qui allaient donner des informations dans le journal et le lendemain, on les trouvait dans le lac, à la surface, à se balader avec quelques chaînes attachées aux pieds si vous savez de quoi je parle. [10]

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Depuis la Grand Terrace, Hines et son groupe ont diffusé en « open mikes » pendant de nombreuses années, parfois sept nuits par semaine, d’un océan à l’autre aux États-Unis, Chicago étant bien placée pour assurer la diffusion en direct dans les fuseaux horaires aux États-Unis. La bande de Hines est devenue la bande la plus diffusée en Amérique. Parmi les auditeurs se trouvaient un jeune Nat King Cole[32] et Jay McShann à Kansas City, qui a dit que sa  » vraie éducation venait d’Earl Hines « [10][31]. Quand « Fatha » a cessé d’émettre, je suis allé me coucher. » La plus importante « élève » de Hines était Art Tatum . [33]


Style

Le groupe Hines comprenait habituellement de 15 à 20 musiciens sur scène, parfois jusqu’à 28. Parmi les nombreux membres du groupe figuraient Wallace Bishop, Alvin Burroughs, Scoops Carry, Oliver Coleman, Bob Crowder, Thomas Crump, George Dixon, Julian Draper, Streamline Ewing, Ed Fant, Milton Fletcher, Walter Fuller, Dizzy Gillespie et Leroy Harris, Woogy Harris, Darnell Howard, Cecil Irwin, Harry’Pee Wee’ Jackson, Warren Jefferson, Budd Johnson, Jimmy Mundy, Ray Nance, Charlie Parker, Willie Randall, Omer Simeon, Cliff Smalls, Leon Washington, Freddie Webster, Quinn Wilson et Trummy Young .

De temps en temps, Hines permettait à un autre pianiste de le remplacer, pour mieux lui permettre de diriger l’ensemble de « l’Organisation ». Jess Stacy[34] en était un, Nat « King » Cole et Teddy Wilson en étaient d’autres, mais Cliff Smalls était son préféré. [35]

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Chaque été, Hines tourne avec tout son groupe pendant trois mois, y compris dans le Sud – le premier big band noir à le faire. Il a expliqué :  » [36] Quand nous voyagions en train à travers le Sud, ils envoyaient un porteur à notre voiture pour nous faire savoir quand la salle à manger était dégagée, et ensuite nous y allions tous ensemble. On ne pouvait pas manger quand on voulait. Nous devions manger quand ils étaient prêts pour nous. » [37]


Discographie choisie

Dans America de Duke Ellington, Harvey G. Cohen écrit :

En 1931, Earl Hines et son Orchestre  » furent le premier grand groupe noir à voyager beaucoup dans le Sud « . Hines l’appelait une « invasion » plutôt qu’une « visite ». Entre l’explosion d’une bombe sous la scène de leur groupe en Alabama ( » …nous n’avons pas été blessés, mais nous n’avons pas joué si bien après ça non plus ») et de nombreuses rencontres menaçantes avec la police, l’expérience fut si pénible que Hines, dans les années 1960, a rappelé : « Vous pourriez nous appeler les premiers Freedom Riders ». Dans la plupart des cas, tout contact avec les Blancs, même les fans, était considéré comme dangereux. Trouver des endroits pour manger ou passer la nuit a nécessité une lutte constante. La seule  » victoire  » non musicale revendiquée par Hines est d’avoir gagné le respect d’un propriétaire de magasin de vêtements qui l’a d’abord traité avec dérision jusqu’à ce qu’il devienne clair que Hines avait l’intention de dépenser 85 $ en chemises,  » ce qui a changé toute son attitude « . [38]

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En 1942, le saxophoniste Charlie Parker fut congédié en raison de son manque de ponctualité, alors qu’il dormait sous la scène de l’orchestre pour tenter d’être à l’heure. Dizzie Gillespie s’est jointe à la même année.


Notes

Le Grand Terrace Café avait soudainement fermé ses portes en décembre 1940 ; son gérant, Ed Fox, qui soufflait des cigares, avait disparu. Hines, 37 ans, qui a toujours eu la réputation de travailler pour lui,[41] a emmené son groupe sur la route à plein temps pendant huit ans,[nb 7] résistant aux offres renouvelées de Benny Goodman de se joindre à son groupe comme pianiste. [40]

Plusieurs membres de la bande de Hines ont été enrôlés dans les forces armées pendant la Seconde Guerre mondiale – un problème majeur. 42][N° 8] Six ont été rédigés en 1943 seulement. Par conséquent, le 19 août 1943, Hines dut annuler le reste de sa tournée dans le Sud. Il est allé à New York et a engagé un groupe de 12 femmes[43][44] qui a duré deux mois. Ensuite, Hines l’a élargi pour en faire un groupe de 28 musiciens (17 hommes et 11 femmes),[43] incluant les cordes et le cor . Malgré ces difficultés en temps de guerre, Hines a emmené ses groupes en tournée d’un océan à l’autre[46], mais il a quand même pu se retirer de son propre groupe pour diriger l’Orchestre Duke Ellington en 1944 quand Ellington est tombé malade.

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C’est à cette époque (et surtout pendant l’interdiction d’enregistrer pendant la grève des musiciens de 1942-1944) que les jam sessions de fin de soirée avec les membres du groupe de Hines ont semé les graines du nouveau style émergent dans le jazz, le bebop . Ellington a dit plus tard que « les graines du bop étaient dans le style piano d’Earl Hines ». Ross Russell, biographe de Charlie Parker, a écrit :


Notes de bas de page

… Le Earl Hines Orchestra de 1942 avait été infiltré par les révolutionnaires du jazz. Chaque section avait sa cellule d’insurgés. La sonorité du groupe est hérissée de quintes aplaties, de triolets et d’autres éléments du nouveau schéma sonore. Les autres chefs d’orchestre d’une tendance plus conservatrice ont averti Hines qu’il avait beaucoup trop bien recruté et qu’il était assis sur un baril de poudre. [48]

Dès 1940, le saxophoniste et arrangeur Budd Johnson avait « réécrit le livre »[28] pour le groupe des Hines dans un style plus moderne. Johnson et Billy Eckstine, chanteur des Hines entre 1939 et 1943, ont été crédités d’avoir aidé à amener des musiciens modernes dans le groupe des Hines dans la transition entre le swing et le bebop. Outre Parker et Gillespie, d’autres  » modernistes  » de Hines comprenaient Gene Ammons, Gail Brockman, Scoops Carry, Goon Gardner, Wardell Gray, Bennie Green, Benny Harris, Harry’Pee-Wee’ Jackson, Shorty McConnell, Cliff Smalls, Shadow Wilson et Sarah Vaughan, qui remplaça Eckstine en 1943 et resta une année comme chanteuse du groupe.

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Dizzy Gillespie a dit de la musique que le groupe a évolué :


Citations

… Les gens disent que le groupe Hines est  » l’incubateur du bop  » et les principaux représentants de cette musique se sont retrouvés dans le groupe Hines. Mais les gens ont aussi l’impression erronée que la musique était nouvelle. Ce n’était pas le cas. La musique a évolué à partir de ce qui existait avant. C’était la même musique de base. La différence était dans la façon dont on se déplaçait d’ici à ici jusqu’ici… naturellement, chaque époque a ses propres merdes. [49]

Les liens avec le bebop sont restés étroits. Le discographe de Parker, entre autres,[50] a soutenu que  » Yardbird Suite « , que Parker a enregistré avec Miles Davis en mars 1946, était en fait basé sur  » Rosetta  » de Hines, qui servait chaque soir de theme-tune au groupe Hines. [51]

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Dizzy Gillespie a décrit le groupe Hines en ces termes :  » Nous avions un très beau groupe avec Earl Hines. C’est un maître et on apprend beaucoup de lui, d’autodiscipline et d’organisation. » [52]


Références et références

En juillet 1946, Hines a subi de graves blessures à la tête dans un accident de voiture près de Houston qui, malgré une opération, a affecté sa vue pour le reste de sa vie. 53] De retour sur la route quatre mois plus tard, il continue de diriger son big band pendant deux autres années. En 1947, Hines achète la plus grande boîte de nuit de Chicago, The El Grotto[55], mais elle sombre rapidement et Hines perd 30 000 $ (376 485 $ aujourd’hui). L’ère des big-bands était révolue – les groupes de Hines étaient au sommet depuis 20 ans[56].

Au début de 1948, Hines se joint à nouveau à Armstrong dans le  » Louis Armstrong and His All-Stars « , un  » petit groupe « . Il n’était pas sans ses souches pour Hines. Un an plus tard, Armstrong devient le premier musicien de jazz à faire la couverture du magazine Time (le 21 février 1949). Armstrong était alors sur le point de devenir une icône américaine, laissant à Hines l’impression qu’il n’était utilisé qu’en tant que sideman par rapport à son vieil ami. Armstrong a dit des difficultés, principalement sur la facturation, « Hines et son ego, ego, ego, ego, ego… », mais après trois ans et au grand dam d’Armstrong,[57] Hines quitte les All Stars en 1951.

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Ensuite, de retour en tant que leader à nouveau, Hines a pris ses propres petits combos autour des États-Unis. Il a commencé avec une formation nettement plus moderne que les All Stars vieillissantes : Bennie Green, Art Blakey, Tommy Potter et Etta Jones . En 1954, il a fait une tournée nationale de son groupe de sept musiciens avec les Harlem Globetrotters . En 1958, il diffuse sur le réseau des Forces américaines, mais au début des années 1960, alors qu’il est assez âgé pour prendre sa retraite,[58] Hines s’installe à Oakland, en Californie, avec sa femme et ses deux jeunes filles, ouvre un bureau de tabac et s’apprête à abandonner sa profession.


Références et références

Puis, en 1964, grâce à Stanley Dance, son ami déterminé et manager officieux, Hines est « soudain redécouvert » après une série de récitals au Little Theatre de New York, auxquels Dance l’avait initié. C’étaient les premiers récitals de piano que Hines avait donnés ; ils ont fait sensation. « Que reste-t-il à entendre après avoir entendu Earl Hines ? », demanda John Wilson du New York Times . Hines a ensuite remporté le Sondage international de la critique de 1966 pour le Temple de la renommée du magazine Down Beat[59]. Down Beat l’a également élu « No. 1 mondial du pianiste de jazz » en 1966 (et l’a encore fait cinq fois). Jazz Journal a décerné à ses disques de l’année les premier et deuxième prix dans son sondage général et les premier, deuxième et troisième prix dans sa catégorie piano. 60] Jazz l’a élu « Jazzman de l’année » et l’a choisi pour ses places numéro 1 et numéro 2 dans la catégorie Piano Recordings. Hines a été invité à participer à des émissions de télévision animées par Johnny Carson et Mike Douglas .

À partir de ce moment et jusqu’à sa mort vingt ans plus tard, Hines enregistre à l’infini, tant en solo qu’avec des contemporains comme Cat Anderson, Harold Ashby, Barney Bigard, Lawrence Brown, Dave Brubeck (duo en 1975), Jaki Byard (duo en 1972), Benny Carter, Buck Clayton , Cozy Cole, Wallace Davenport, Eddie « Lockjaw » Davis, Vic Dickenson, Roy Eldridge, Duke Ellington (duos en 1966), Ella Fitzgerald, Panama Francis, Bud Freeman, Stan Getz,[nb 9] Dizzy Gillespie, Paul Gonsalves, Stephane Grappelli, Sonny Greer, Lionel Hampton , Coleman Hawkins, Milt Hinton, Johnny Hodges, Peanuts Hucko, Helen Humes, Budd Johnson, Jonah Jones, Max Kaminsky, Gene Krupa, Ellis Larkins, Shelly Manne, Marian McPartland (duo en 1970), Gerry Mulligan, Ray Nance, Oscar Peterson (duo en 1968), Russell Procope , Pee Wee Russell, Jimmy Rushing, Stuff Smith, Rex Stewart, Maxine Sullivan, Maxine Sullivan, Buddy Tate, Jack Teagarden, Clark Terry, Sarah Vaughan, Joe Venuti, Earle Warren, Ben Webster, Teddy Wilson (duo en 1965 et 1970), Jimmy Witherspoon, Jimmy Woode, Lester Young . Les plus surprenants sont Alvin Batiste, Tony Bennett, Art Blakey, Teresa Brewer, Barbara Dane, Richard Davis, Elvin Jones, Etta Jones, The Ink Spots, Peggy Lee, Helen Merrill, Charles Mingus, Oscar Pettiford, Vi Redd, Betty Roché, Caterina Valente, Dinah Washington et Ry Cooder (sur la chanson « Ditty Wah Ditty »).

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Mais les enregistrements les plus appréciés de cette période sont ses prestations en solo, « tout un orchestre par lui-même ». Whitney Balliett a parlé de ses enregistrements en solo et de ses prestations de cette époque :


Références et références

Hines aura soixante-sept ans cette année et son style est devenu involuté, rococo, et subtil au point d’être insaisissable. Il se déploie en couches orchestrales et exige une écoute intense. Malgré la masse de notes qu’il utilise maintenant, son jeu n’est jamais gras. Hines peut se comporter ainsi dans un tempo blues moyen. Il jouera les deux premiers refrains doucement et en dehors du tempo, des accords placides qui tiennent le noyau de la mélodie en toute sécurité. Au troisième chœur, il aura glissé dans un rythme régulier mais implicite et aura augmenté son volume. Puis, à l’aide de dixièmes réguliers dans sa main gauche, il composera un chœur entier d’accords de la main droite entre les temps. Il sautera dans le registre aigu du chœur suivant et s’enroulera à travers des notes placées de façon irrégulière, tandis que sa main gauche jouera des accords descendants, sur le rythme, qui traversent une forêt de changements harmoniques. (Il y a tellement de contrastes qui se déroulent dans un tel refrain qu’il est impossible de le saisir une seule fois). Dans le prochain chorus-bang!-up, le volume monte à nouveau et Hines se lance dans une course folle à deux temps et demi qui peut faire plusieurs balayages de haut en bas du clavier et qui sont ponctués de notes simples excentriques dans la main gauche. Puis il lancera plusieurs glissandos à deux doigts qui descendent rapidement, s’engagera brusquement dans un tourbillon arythmique d’accords et de courtes exécutions brisées et, aussi brusquement qu’il a commencé, se lancera dans un interlude d’accords détendus et de notes simples à polir. Mais ces chœurs, qui peuvent être suivis de huit ou dix autres avant que Hines n’ait terminé ce qu’il a à dire, sont irrésistibles d’une autre manière. Chacune est une création complète en soi, et pourtant chacune est solidement attachée à la suivante. [62]

Des hommages en solo à Armstrong, Hoagy Carmichael, Ellington, George Gershwin et Cole Porter ont tous été enregistrés dans les années 1970, parfois sur le Steinway à 12 pattes de 1904 que lui a offert Scott Newhall, directeur de la rédaction du San Francisco Chronicle en 1969. En 1974, alors qu’il avait soixante-dix ans, Hines a enregistré seize disques compacts. « Une série d’enregistrements en solo signifie que, dans sa vieillesse, Hines était enfin bien documenté, et qu’il a relevé le défi avec une force d’inspiration constante ». De son « come-back » de 1964 jusqu’à sa mort, Hines a enregistré plus de 100 albums à travers le monde. Au sein de l’industrie, il est devenu légendaire pour être entré en studio et être sorti une heure et demie plus tard après avoir enregistré un album solo non planifié. On n’entendait presque jamais parler de reprises, sauf quand Hines voulait réessayer un air d’une autre façon, souvent complètement différente. [65]

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A partir de 1964, Hines fait de nombreuses tournées en Europe, notamment en France. Il a fait une tournée en Amérique du Sud en 1968. Il s’est produit en Asie, en Australie, au Japon et, en 1966, en Union soviétique, dans le cadre de tournées financées par le département d’État américain. Au cours de sa tournée de six semaines en Union soviétique, au cours de laquelle il a donné 35 concerts[66], le Palais des sports de Kiev, qui comptait 10 000 places, a été complet. En conséquence, le Kremlin annule ses concerts à Moscou et à Leningrad[67] pour cause de « trop grand danger culturel ». [68]


Références et références

On peut dire qu’il jouait toujours aussi bien qu’avant,[nb 10] Hines montrait des bizarreries individualistes (y compris des grognements) dans ces performances. Il chantait parfois pendant qu’il jouait, en particulier sa propre chanson « They Didn’t Believe I Could Do It …. Moi non plus ». En 1975, Hines a fait l’objet d’un documentaire télévisé d’une heure[69] réalisé par ATV (pour la chaîne commerciale britannique ITV), en dehors des heures d’ouverture au club de nuit Blues Alley à Washington, DC . L’International Herald Tribune l’a décrit comme « le plus grand film de jazz jamais réalisé ». Dans le film, Hines dit : « La façon dont j’aime jouer, c’est que… Je suis un explorateur, si je peux utiliser cette expression, je cherche quelque chose tout le temps… presque comme si j’essayais de parler. » En 1979, Hines a été intronisé au Temple de la renommée des cinéastes noirs[10]. Il a joué en solo aux funérailles de Duke Ellington, deux fois à la Maison-Blanche, pour le président de la France et pour le pape… De cet éloge, Hines a dit : « D’habitude, ils donnent crédit aux gens quand ils sont morts. J’ai reçu mes fleurs de mon vivant ». [71]

Le dernier spectacle de Hines a eu lieu à San Francisco quelques jours avant sa mort à Oakland. Comme il l’avait souhaité, son Steinway a été vendu aux enchères au profit d’étudiants talentueux en musique à faible revenu, qui portent toujours sa plaque d’argent :

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Hines a été inhumé au cimetière Evergreen d’Oakland, en Californie.


Références et références

L’Oxford Companion to Jazz décrit Hines comme  » le pianiste le plus important dans la transition de la foulée au swing  » et continue :

À mesure qu’il grandit dans les années 1920, il simplifie le « piano orchestral » de la foulée et parvient finalement à un style swing prototypique. La main droite n’a plus développé de motifs syncopés autour des notes pivotantes (comme dans le ragtime) ou de la figuration entre les mains (comme dans la foulée) mais s’est concentrée sur une ligne mélodique plus dirigée, souvent doublée à l’octave par des trémolos de fin de phrase . Cette ligne a été appelée la main droite « trompette » en raison de son caractère nettement cornéen, mais en fait, la tendance générale vers un style plus linéaire peut être retracée à travers la foulée et Jelly Roll Morton ragtime à la fin de 1915 à 1920. [74]

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Source :https://www.youtube.com/watch?v=jYK_0uJ8LQo
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Hines lui-même a décrit sa rencontre avec Armstrong :


Références et références

Louis me regardait d’un drôle d’air. Alors j’ai dit : « Est-ce que je fais les mauvais accords ? » Et il répondit : « Non, mais ton style est comme le mien ». Alors j’ai dit : « Je voulais jouer de la trompette, mais ça me faisait mal derrière les oreilles, alors j’ai joué au piano ce que je voulais jouer de la trompette ». Et il a dit : « Non, non, c’est mon style, c’est ce que j’aime. »

Hines a continué :

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… J’étais curieux et je voulais savoir de quoi étaient faits les accords. Je commencerais à jouer comme les autres instruments. Mais à l’époque, nous n’avions pas d’amplification, alors les chanteurs utilisaient des mégaphones et ils n’avaient pas de grands-pianos pour nous à l’époque – c’était un piano droit. Alors quand ils m’ont donné un solo, en jouant avec les doigts comme je le faisais, dans ces grandes salles, ils pouvaient à peine m’entendre. J’ai donc dû penser à quelque chose pour pouvoir couper à travers le big-band. J’ai donc commencé à utiliser ce qu’ils appellent’le style trompette’ – qui était les octaves. Ensuite, ils pouvaient m’entendre à l’avant et c’est ce qui a changé le style de jeu du piano à ce moment-là. [10]


Références et références

Dans leur livre Jazz (2009), Gary Giddins et Scott DeVeaux parlent du style de Hines de l’époque :

Pour se faire entendre,[Hines] développa la capacité d’improviser en trémolos (l’alternance rapide de deux ou plusieurs notes, créant une version pianistique du vibrato ) et des octaves ou des dixièmes du cuivré : au lieu de frapper une note à la fois avec sa main droite, il frappa deux et avec une force percussive vive – sa portée était si grande que ses concurrents jaloux répandirent le rime ridicule de la courroie entre les doigts dont on avait chirurgi de lui. [75]

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Le pianiste Teddy Wilson a écrit sur le style de Hines :


Références et références

Hines était à la fois un grand soliste et un grand rythmiste. Il a une belle et puissante approche rythmique au clavier et ses rythmes sont plus excentriques que ceux d’Art Tatum ou de Fats Waller . Quand je dis excentrique, je veux dire s’éloigner du rythme 4/4 droit. Il jouait beaucoup de ce que nous appelons aujourd’hui’accent sur le et beat’….. C’était une utilisation subtile de la syncopation, jouant sur les temps intermédiaires ou ce que j’appellerais et battant : un et -deux- et -trois- et -trois- et -quatre- et . Le et entre « un-deux-trois-trois-quatre » est implicite, Quand compté dans la musique, le et devient ce qu’on appelle les croches. Vous obtenez donc huit notes par mesure au lieu de quatre, bien qu’elles soient espacées dans le temps de quatre. Hines s’y mettait et battait avec les rythmes les plus excentriques qui propulsait le rythme avec une force telle que les gens ressentaient une irrésistible envie de danser ou de taper des pieds ou de réagir physiquement au rythme de la musique….. Hines est très complexe dans ses rythmes : très inhabituel et original et il n’y a vraiment personne comme lui. Cela fait de lui un géant de l’originalité. Il pouvait produire des solos de piano improvisés qui pouvaient atteindre jusqu’à 2 000 danseurs, tout comme une trompette ou un saxophone. [76]

Oliver Jackson était le batteur fréquent de Hines (ainsi qu’un batteur pour Oscar Peterson, Benny Goodman, Lionel Hampton, Duke Ellington, Teddy Wilson et plusieurs autres) :

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Jackson dit que Earl Hines et Erroll Garner (dont l’approche du piano, dit-il, venait de Hines) étaient les deux musiciens qu’il trouvait particulièrement difficiles à accompagner. Pourquoi ? « La main gauche serait dans un mètre et la main droite dans un autre mètre, puis vous devez regarder leur technique de pédale parce qu’ils frappent la pédale de sustain et les notes sonnent ici et c’est un tempo en cours quand il met la pédale de sustain, et puis cette main bouge, sa main gauche bouge, peut-être des dixièmes, et cette main joue comme des triplets de quart de note ou de doubles croches. Il y a donc tout ce conglomérat de tous ces tempos différents qui se déroulent ». [77]


Références et références

L’Encyclopédie biographique du jazz de Hines parle du style de 1965 de Hines comme d’un style plus tardif :

[Hines] utilise parfois sa main gauche pour des accents et des figures qui ne viendraient que d’une section de trompette complète. Parfois, il joue des accords qui auraient été écrits et joués par cinq saxophones en harmonie. Mais il est toujours le pianiste virtuose avec ses arpèges, son attaque percutante et sa capacité fantastique à moduler d’une chanson à l’autre comme s’il s’agissait d’une seule chanson et il a créé toutes ces mélodies pendant sa propre improvisation. [78]

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Plus tard encore, alors qu’il avait soixante-dix ans et après une série d’enregistrements récents en solo, Hines lui-même a dit :


Références et références

Je suis un explorateur si je peux utiliser cette expression. Je cherche quelque chose tout le temps. Et souvent, je me perds. Et les gens qui m’entourent savent que quand ils me voient sourire, ils savent que je suis perdu et que j’essaie de revenir. Mais ça rend les choses beaucoup plus intéressantes parce qu’on fait alors des choses qui nous surprennent. Et après avoir entendu l’enregistrement, ça vous rend un peu heureux aussi parce que vous dites : « Oh, je ne savais pas que je pouvais faire ça ! [10]

Le tout premier enregistrement de Hines aurait été réalisé le 3 octobre 1923 à Richmond, dans l’Indiana, alors qu’il avait 19 ans. Les documents commercialement disponibles comme neufs, en date de février 2016, sont indiqués en caractères gras dans les listes ci-dessous : beaucoup plus souvent disponibles d’occasion sur eBay .

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Les années 1930, le jazz classique et l’ère du swing :


Références et références

Outre les solos pour piano Hines enregistrés pour QRS (1928) et Okeh (1928), Hines signe en 1929 avec RCA Victor et enregistre plusieurs faces en 1929. En 1932, il signe avec Brunswick et enregistre avec eux jusqu’au milieu de l’année 1934 où il signe avec Decca. Il enregistre 3 sessions pour Decca en 1934 et début 1935. Il n’enregistre à nouveau qu’en février 1937, date à laquelle il signe avec Vocalion, pour lequel il enregistre 4 sessions jusqu’en mars 1938. En juillet 1939, il signe avec le label Bluebird de Victor et enregistre de façon prolifique jusqu’à l’interdiction d’enregistrement au milieu de l’année 1942. Durant cette période, il est sur plusieurs numéros avec Sidney Bechet pour une session d’enregistrement le 6 septembre 1940.]

Swing to bebop transition years, 1939-1945 : (Les big bands ont été particulièrement touchés par l’interdiction d’enregistrement imposée par l’American Federation of Musicians en 1942-1944, qui a également considérablement réduit l’enregistrement des premiers bebop)

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Après 1948 – et donc après l’ère du Big Band :


Références et références

Il semblerait que le dernier enregistrement de Hines ait eu lieu 58 ans après son premier, le 29 décembre 1981. [80]

Sur les anthologies :

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En tant que sideman :


Références et références

La salle de bal Savoy a ouvert ses portes la veille de l’Action de grâces, le 23 novembre 1927. Avec plus d’un demi-acre d’espace de danse, le Savoy avait une capacité de plus de quatre mille personnes. Le nom de la salle de bal rappelait le très populaire et très apprécié palais de danse du même nom à Harlem, à New York, qui avait ouvert ses portes un peu plus d’un an auparavant. …

Dans sa critique du Savoy, le Defender, le principal journal noir de Chicago, loue les caractéristiques modernes de la nouvelle salle de bal : « Jamais auparavant les Chicagoens n’avaient vu quelque chose d’aussi somptueux que la salle de bal Savoy. Des artistes célèbres ont transformé le bâtiment en un véritable paradis, chaque section étant plus belle que l’autre. Le sentiment de luxe et de confort que l’on ressent à l’entrée est tout à fait idéal et chaleureux, et le désir de rester, de danser et de regarder est généré à chaque instant de votre visite. Tout le confort moderne est fourni. En plus d’un médecin de famille et d’une infirmière professionnelle en cas de maladie ou d’accident, il y a une salle de repos idéale pour les dames et les messieurs, luxueusement meublée, une salle de boudoir pour le maquillage de la dame, une salle de contrôle ultra moderne qui accueille 6000 chapeaux et manteaux accrochés individuellement afin que si on vient avec son manteau écrasé ou ridé il soit en meilleur état au départ. » De telles commodités modernes non seulement donnaient à la salle de bal une « atmosphère de raffinement » qui reflétait les prétentions de classe des Chicagoans noirs à mobilité ascendante, mais elles diminuaient aussi la probabilité que le Savoy attire le feu de ceux qui préconisent la fermeture des établissements de danse désordonnée. Un terrain de stationnement adjacent de 1 000 places a probablement aussi attiré les Noirs plus prospères de Chicago.

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Références et références

La musique ne s’est jamais arrêtée au Savoy. De 1927 à 1940, deux orchestres sont engagés chaque soir pour permettre une danse continue. Quand un groupe faisait une pause, un autre groupe était sur place pour jouer. Durant ces années, le Savoy était ouvert sept jours sur sept, avec des matinées le samedi et le dimanche. Bien que la plupart des clients du Savoy étaient noirs, un nombre croissant de Chicagoens blancs visitaient le Savoy pour écouter et danser les grands groupes de jazz de l’époque. (« Savoy Ballroom » . L’âge du jazz à Chicago. Archivé de l’original le 24 mars 2004 . Consulté le 1er juin 2014. )

Documentaire télévisé d’une heure, produit et réalisé par Charlie Nairn. Filmé au Blues Alley jazz club à Washington, D.C. pour UK ATV Television en 1975. Film original 16mm, plus des extraits de morceaux supplémentaires, archivés dans la bibliothèque du British Film Institute à l’adresse BFI.org. Aussi sur ITVStudios.com . Des copies DVD sont disponibles à la bibliothèque musicale Jean Gray Hargrove de l’Université de Californie-Berkeley (qui possède la Earl Hines Collection/Archive). Également au Hogan Jazz Archive de l’Université de Chicago, à l’Université Tulane et aux bibliothèques du Louis Armstrong House Museum Libraries. Voir aussi jazzonfilm.com/documentaires

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Nous remercions nos sources pour leur aide https://en.wikipedia.org/wiki/Earl_Hines

Traduction – Copyright 100% Django 2018-2019