Duke Ellington


Début de la vie

Edward Kennedy  » Duke  » Ellington (29 avril 1899 – 24 mai 1974) était un compositeur, pianiste et chef d’orchestre de jazz américain, qu’il a dirigé de 1923 à sa mort pendant plus de cinquante ans.

Né à Washington, D.C., Ellington est basé à New York depuis le milieu des années 1920 et s’est fait connaître à l’échelle nationale grâce aux prestations de son orchestre au Cotton Club à Harlem. Dans les années 1930, son orchestre fait une tournée en Europe. Bien que largement considéré comme une figure centrale dans l’histoire du jazz, Ellington a adopté l’expression « au-delà de la catégorie » comme un principe libérateur et a fait référence à sa musique comme faisant partie de la catégorie plus générale de la musique américaine plutôt qu’à un genre musical comme le jazz. [2]

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Certains des musiciens de jazz qui faisaient partie de l’orchestre d’Ellington, comme le saxophoniste Johnny Hodges, sont considérés comme les meilleurs musiciens de l’idiome. Ellington en a fait l’unité orchestrale la plus connue de l’histoire du jazz. Certains membres sont restés avec l’orchestre pendant plusieurs décennies. Maîtrisant l’écriture de miniatures pour le format d’enregistrement 78 tours de trois minutes, Ellington a écrit plus d’un millier de compositions ; sa vaste œuvre est le plus important héritage personnel de jazz enregistré, et bon nombre de ses pièces sont devenues des standards. Ellington a aussi enregistré des chansons écrites par ses musiciens, par exemple  » Caravan  » de Juan Tizol, et  » Perdido « , qui a apporté une touche espagnole au jazz big band. Au début des années 1940, Ellington entame une collaboration de près de trente ans avec le compositeur, arrangeur et pianiste Billy Strayhorn, qu’il appelle son compagnon d’écriture et d’arrangement. Avec Strayhorn, il a composé de nombreuses compositions étendues, ou suites, ainsi que des pièces courtes supplémentaires. Après une apparition au Newport Jazz Festival, en juillet 1956, Ellington et son orchestre connaissent un grand renouveau et partent en tournée mondiale. Ellington a enregistré pour la plupart des maisons de disques américaines de son époque, s’est produit dans plusieurs films, en a composé plusieurs et a composé une poignée de comédies musicales.


Carrière musicale

Grâce à son utilisation inventive de l’orchestre, ou big band, et grâce à son éloquence et son charisme, Ellington a élevé le jazz au rang de forme artistique. Sa réputation n’a cessé de croître après sa mort, et il a reçu à titre posthume un prix spécial Pulitzer pour la musique en 1999. [4]

Ellington est né le 29 avril 1899 de James Edward Ellington et Daisy (Kennedy) Ellington à Washington, D.C. Ses deux parents étaient pianistes. Daisy jouait principalement des chansons de salon et James préférait les airs d’opéra. Ils vivaient avec ses grands-parents maternels au 2129 Ida Place (aujourd’hui Ward Place), NW, dans le quartier West End de Washington, D.C.[5] Le père de Duke est né à Lincolnton, Caroline du Nord, le 15 avril 1879, et est parti à Washington, avec ses parents en 1886. 6] Daisy Kennedy est née à Washington, D.C., le 4 janvier 1879, fille d’un ancien esclave américain… 5][7] James Ellington a fait des plans pour la marine américaine. Quand Ellington était enfant, sa famille montrait de la fierté raciale et du soutien dans leur foyer, comme beaucoup d’autres familles. Les Afro-Américains de D.C. ont travaillé pour protéger leurs enfants des lois Jim Crow de l’époque. [8]

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À l’âge de sept ans, Ellington a commencé à prendre des leçons de piano avec Marietta Clinkscales. Daisy a entouré son fils de femmes dignes pour renforcer ses manières et lui apprendre à vivre avec élégance. Les amis d’enfance d’Ellington remarquèrent que ses manières désinvoltes et désinvoltes, sa grâce facile et sa robe élégante lui donnaient la prestance d’un jeune noble[9] et commencèrent à l’appeler « Duke ». Ellington attribue ce surnom à son ami Edgar McEntree. « Je pense qu’il pensait que pour que je sois admissible à sa compagnie constante, je devais avoir un titre. Alors il m’a appelé Duke. » [10]


Début de carrière

Bien qu’Ellington ait pris des leçons de piano, il était plus intéressé par le baseball. « Le président Roosevelt (Teddy) venait parfois sur son cheval, et s’arrêtait pour nous regarder jouer », se souvient-il. Ellington est allé à l’école secondaire technique Armstrong à Washington, D.C. Il a obtenu son premier emploi en vendant des arachides aux parties de baseball des Sénateurs de Washington.

Au cours de l’été 1914, alors qu’il travaillait comme soda jerk au Poodle Dog Café, Ellington écrit sa première composition, « Soda Fountain Rag » (aussi connu sous le nom de « Poodle Dog Rag »). Il a créé la pièce à l’oreille, car il n’avait pas encore appris à lire et à écrire de la musique. « Je jouerais le’Soda Fountain Rag’ comme une valse, une valse, un tango et un trot de renard « , se souvient Ellington. « Les auditeurs n’ont jamais su que c’était le même morceau. J’ai été établi comme ayant mon propre répertoire. » Dans son autobiographie, Music is my Mistress (1973), Ellington écrit qu’il a manqué plus de leçons qu’il n’en a suivies, estimant à l’époque que jouer du piano n’était pas son talent[12].

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Ellington a commencé à se faufiler dans la salle de billard de Frank Holiday à l’âge de 14 ans. Entendre les pianistes de la salle de billard jouer a enflammé l’amour d’Ellington pour l’instrument, et il a commencé à prendre ses études de piano au sérieux. Parmi les nombreux pianistes qu’il a écoutés figurent Doc Perry, Lester Dishman, Louis Brown, Turner Layton, Gertie Wells, Clarence Bowser, Sticky Mack, Blind Johnny, Cliff Jackson, Claude Hopkins, Phil Wurd, Caroline Thornton, Luckey Roberts, Eubie Blake, Joe Rochester et Harvey Brooks. [13]


Cotton Club commitment

Ellington a commencé à écouter, à regarder et à imiter les pianistes de ragtime, non seulement à Washington, mais aussi à Philadelphie et à Atlantic City, où il passait ses vacances avec sa mère pendant l’été. Il entendait parfois de la musique étrange jouée par ceux qui n’avaient pas les moyens de se payer beaucoup de partitions, alors pour les variations, ils jouaient les partitions à l’envers[12]. Henry Lee Grant, un professeur de musique de l’école secondaire Dunbar, lui donnait des leçons privées en harmonie. Avec l’aide du pianiste et chef d’orchestre de Washington Oliver « Doc » Perry, Ellington a appris à lire des partitions, à projeter un style professionnel et à améliorer sa technique. Ellington s’est également inspiré de ses premières rencontres avec les pianistes de stride James P. Johnson et Luckey Roberts. Plus tard à New York, il a suivi les conseils de Will Marion Cook, Fats Waller et Sidney Bechet. Ellington a commencé à jouer dans des cafés et des clubs à Washington et dans les environs. Son attachement à la musique était si fort qu’en 1916, il a refusé une bourse d’études en art au Pratt Institute de Brooklyn. Trois mois avant d’obtenir son diplôme, il a abandonné l’école Armstrong Manual Training School, où il étudiait l’art commercial. [15]

À partir de 1917, Ellington travaille comme peintre d’enseignes indépendant et commence à former des groupes pour jouer aux danses. En 1919, il rencontre le batteur Sonny Greer du New Jersey, qui encourage Ellington à devenir musicien professionnel. Ellington a bâti son entreprise musicale grâce à son travail de jour : lorsqu’un client lui demandait de faire une affiche pour une danse ou une fête, il lui demandait s’ils avaient un divertissement musical ; sinon, Ellington offrait de jouer pour l’occasion. Il a également occupé un poste de messager au sein de la marine américaine et du département d’État, où il a noué de nombreux contacts. Ellington a quitté la maison de ses parents et a acheté la sienne alors qu’il devenait un pianiste à succès. Au début, il joue dans d’autres ensembles, et à la fin de 1917, il forme son premier groupe, « The Duke’s Serenaders » (« The Colored Syncopators », son annuaire téléphonique publicitaire proclamé). Il était aussi l’agent de réservation du groupe. Il a joué pour la première fois au True Reformer’s Hall, où il a emporté 75 cents à la maison. [16]

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Ellington a joué dans toute la région de Washington, D.C. et en Virginie pour des bals privés de la société et des fêtes d’ambassade. Le groupe comprenait Otto Hardwick, un ami d’enfance qui a commencé à jouer de la contrebasse, puis du saxophone C-melody pour finalement s’installer au saxophone alto, Arthur Whetsol à la trompette, Elmer Snowden au banjo, et Sonny Greer à la batterie. Le groupe a prospéré, se produisant devant un public afro-américain et blanc, une rareté dans la société ségrégationniste de l’époque. [17]


Le début des années 1930

Lorsque son batteur Sonny Greer a été invité à se joindre au Wilber Sweatman Orchestra de New York, Ellington a pris la décision fatidique de quitter sa carrière à Washington, D.C., et de déménager à Harlem, pour finalement faire partie du Harlem Renaissance . De nouvelles folies de la danse comme le Charleston sont apparues à Harlem, ainsi que le théâtre musical afro-américain, y compris le Shuffle Along . Après avoir quitté le Sweatman Orchestra pour se lancer à leur compte, les jeunes musiciens ont découvert une scène jazz émergente, très compétitive et difficile à cerner. Ils jouaient au billard le jour et jouaient tout ce qu’ils pouvaient trouver. Le jeune groupe a rencontré le pianiste de stride Willie « The Lion » Smith, qui les a initiés à la scène et leur a donné de l’argent. Ils jouaient à des soirées de location pour gagner de l’argent. Au bout de quelques mois, les jeunes musiciens retournent à Washington D.C., découragés.

En juin 1923, un concert à Atlantic City, dans le New Jersey, mène à une date de jeu au prestigieux Exclusive Club à Harlem. En septembre 1923, il déménage au Hollywood Club – 49e et Broadway – et s’engage pour quatre ans, ce qui lui donne une base artistique solide. Il était connu pour jouer du clairon à la fin de chaque représentation. Le groupe s’appelait initialement Elmer Snowden et son Black Sox Orchestra et comptait sept membres, dont le trompettiste James « Bubber » Miley . Ils se sont rebaptisés les Washingtoniens. Snowden quitte le groupe au début de 1924 et Ellington prend la direction du groupe. Après un incendie, le club a rouvert ses portes sous le nom de Club Kentucky (souvent appelé le Kentucky Club).

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Ellington a enregistré huit disques en 1924, dont trois à titre de compositeur, dont « Choo Choo Choo ». En 1925, Ellington écrit quatre chansons pour Chocolate Kiddies avec Lottie Gee et Adelaide Hall[19], une revue entièrement afro-américaine qui initie le public européen aux styles et artistes afro-américains. Duke Ellington et son Kentucky Club Orchestra sont devenus un groupe de dix musiciens ; ils ont développé leur propre son en affichant l’expression non traditionnelle des arrangements d’Ellington, les rythmes de rue de Harlem et les grognements exotiques du trombone et les wah-wahs, les trompettes qui grincent et les saxophones blues qui se lèchent des membres du groupe. Le saxophoniste soprano Sidney Bechet a joué avec eux pendant une courte période, transmettant son swing propulsif et sa musicalité supérieure aux jeunes membres du groupe.


La fin des années 1930

En octobre 1926, Ellington conclut un accord avec l’éditeur-agent Irving Mills[20], donnant à Mills une participation de 45% dans l’avenir d’Ellington. Mills avait l’œil pour les nouveaux talents et publiait des compositions de Hoagy Carmichael, Dorothy Fields et Harold Arlen au début de leur carrière[21]. Après avoir enregistré une poignée de titres acoustiques entre 1924 et 1926, Ellington signe avec Mills, ce qui lui permet d’enregistrer de façon prolifique, bien que parfois il enregistre différentes versions du même morceau. Mills s’attribuait souvent le mérite d’être co-compositeur. Dès le début de leur relation, Mills a organisé des sessions d’enregistrement sur presque tous les labels dont Brunswick, Victor, Columbia, OKeh, Pathê (et son label Perfect), le groupe ARC/Plaza (Oriole, Domino, Jewel, Banner) et leurs labels à dix sous (Cameo, Lincoln, Romeo), Hit of the Week et les labels Columbia moins chers (Harmony, Diva, Velvet Tone, Clarion) qui ont fait la renommée de Ellington. Sur OKeh, ses disques étaient habituellement publiés sous le nom de The Harlem Footwarmers, tandis que ceux de Brunswick étaient habituellement publiés sous le nom de The Jungle Band. Whoopee Makers et les Ten Black Berries étaient d’autres pseudonymes.

En septembre 1927, le roi Oliver refuse une réservation régulière pour son groupe en tant que house band au Harlem’s Cotton Club ;[22] l’offre passe à Ellington après que Jimmy McHugh le suggère et que Mills organise une audition. Ellington devait passer d’un groupe de six à onze personnes pour répondre aux exigences de la direction du Cotton Club pour l’audition[24], et l’engagement a finalement commencé le 4 décembre. Avec une émission de radio hebdomadaire, la clientèle exclusivement blanche et fortunée du Cotton Club afflue tous les soirs pour les voir[25]. Au Cotton Club, le groupe d’Ellington a interprété toute la musique des revues, qui mélangeait comédie, numéros de danse, vaudeville, burlesque, musique et alcool illicite . Les numéros musicaux ont été composés par Jimmy McHugh et les paroles par Dorothy Fields (plus tard Harold Arlen et Ted Koehler), avec quelques originaux d’Ellington. (Ici, il emménage avec une danseuse, sa deuxième femme, Mildred Dixon). Les émissions de radio hebdomadaires du club ont donné à Ellington une visibilité nationale, tandis qu’Ellington a également enregistré les chansons Fields-JMcHugh et Fats Waller – Andy Razaf.

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Bien que le trompettiste Bubber Miley n’ait fait partie de l’orchestre que pendant une courte période, il a eu une influence majeure sur le son d’Ellington. En tant qu’un des premiers représentants de la trompette growl, Miley a changé le doux son de l’orchestre de danse du groupe pour un son plus chaud, que ses contemporains appelaient Jungle Style[26]. En octobre 1927, Ellington et son orchestre enregistrent plusieurs compositions avec Adelaide Hall . Une facette en particulier,  » Creole Love Call « , est devenue une sensation mondiale et a donné à Ellington et Hall leur premier disque à succès. Miley avait composé la plupart des  » Creole Love Call  » et des  » Black and Tan Fantasy « . Alcoolique, Miley a dû quitter le groupe avant qu’ils ne gagnent en notoriété. Il est décédé en 1932 à l’âge de 29 ans, mais il a eu une influence importante sur Cootie Williams, qui l’a remplacé.


Ellington du début au milieu des années 1940

En 1929, le Cotton Club Orchestra se produit sur scène pendant plusieurs mois dans Show Girl de Florenz Ziegfeld, aux côtés de Jimmy Durante, Eddie Foy, Jr. Ruby Keeler, avec la musique et les paroles de George Gershwin et Gus Kahn . Will Vodery, le superviseur musical de Ziegfeld, a recommandé Ellington pour le spectacle et, selon la catégorie Beyond de John Hasse : The Life and Genius of Duke Ellington, « Peut-être que pendant la course de Show Girl, Ellington a reçu de Will Vodery ce qu’il a plus tard qualifié de « précieuses leçons d’orchestration ». » Dans sa biographie de 1946, Duke Ellington, Barry Ulanov écrit :

De Vodery, comme il le dit lui-même (Ellington), il puise ses convictions chromatiques, ses utilisations des tonalités habituellement étrangères à la gamme diatonique, avec pour conséquence l’altération du caractère harmonique de sa musique, son élargissement, l’approfondissement de ses ressources. Il est devenu habituel d’attribuer les influences classiques de Duke – Delius, Debussy et Ravel – au contact direct avec leur musique. En fait, c’est après sa rencontre avec Vodery qu’il a sérieusement apprécié ces compositeurs et d’autres compositeurs modernes. [29]

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Le travail cinématographique d’Ellington a commencé avec Black and Tan (1929), un court métrage de dix-neuf minutes de RKO[30] entièrement afro-américain, dans lequel il incarnait le héros « Duke ». Il apparaît également dans le film d’Amos’n’ Andy Check and Double Check, sorti en 1930. Cette année-là, Ellington et son Orchestre se joignent à un tout autre public lors d’un concert avec Maurice Chevalier et ils se produisent également à la Roseland Ballroom, « la plus grande salle de bal d’Amérique ». Le compositeur d’origine australienne Percy Grainger a été l’un de ses premiers admirateurs et partisans. Il a écrit « Les trois plus grands compositeurs qui aient jamais vécu sont Bach, Delius et Duke Ellington. Malheureusement Bach est mort, Delius est très malade mais nous sommes heureux d’avoir avec nous aujourd’hui le Duc ». 31] La première période d’Ellington au Cotton Club prend fin en 1931.


Les premières années de l’après-guerre

Ellington dirigeait l’orchestre à partir du clavier en utilisant des indices de piano et des gestes visuels ; très rarement, il dirigeait avec une baguette. En 1932, son orchestre se composait de six cuivres, quatre anches et une section rythmique de quatre musiciens. En tant que chef d’orchestre, Ellington n’était pas un musicien strictement discipliné ; il gardait le contrôle de son orchestre avec une combinaison de charme, d’humour, de flatterie et de psychologie astucieuse[32]. Personnage complexe et privé, il ne révélait ses sentiments qu’à ses proches intimes et utilisait efficacement sa personnalité publique pour détourner l’attention de lui-même.

Ellington signe exclusivement pour Brunswick en 1932 et y demeure jusqu’à la fin de 1936 (bien qu’en 1933-1934, il ne reste que peu de temps à Victor lorsque Irving Mills le transfère temporairement, lui et ses collègues de Brunswick).

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Avec l’aggravation de la Crise, l’industrie du disque est en crise, perdant plus de 90 % de ses artistes en 1933. Ivie Anderson a été embauchée comme chanteuse vedette de l’Ellington Orchestra en 1931. Elle est la chanteuse sur  » It Don’t Mean a Thing (If It Ain’t Got That Swing)  » (1932) entre autres enregistrements. Sonny Greer avait fourni des voix occasionnelles et a continué à le faire dans un long métrage de dialogue croisé avec Anderson. L’exposition à la radio a aidé à maintenir le profil public d’Ellington alors que son orchestre commençait ses tournées. Les autres documents de cette époque comprennent : « Mood Indigo  » (1930),  » Sophisticated Lady  » (1933),  » Solitude  » (1934) et  » In a Sentimental Mood  » (1935)


Relance de carrière

Bien que le public américain du groupe soit resté principalement afro-américain à cette époque, l’orchestre d’Ellington a connu un grand succès outre-mer, comme en témoignent le succès de leur voyage en Angleterre et en Écosse en 1933 et leur visite en 1934 sur le continent européen. Lors de sa visite en Grande-Bretagne, M. Ellington s’est attiré les éloges de membres de la communauté musicale sérieuse, dont le compositeur Constant Lambert, ce qui lui a donné un regain d’intérêt pour la composition d’œuvres plus longues.

Ces pièces plus longues avaient déjà commencé à apparaître. Il avait composé et enregistré « Creole Rhapsody » dès 1931 (publié des deux côtés d’un disque de 12″ pour Victor et des deux côtés d’un disque de 10″ pour Brunswick), et un hommage à sa mère, « Reminiscing in Tempo », a été enregistré en 1935 après sa mort cette année-là par quatre faces de 10″. Symphony in Black (1935), un court-métrage, présentait sa longue pièce’A Rhapsody of Negro Life’. Il a présenté Billie Holiday, et a remporté un Oscar en tant que meilleur court métrage musical. Ellington et son orchestre ont également joué dans les longs métrages Murder at the Vanities et Belle of the Nineties (1934).

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Pour l’agent Mills, l’attention était un triomphe publicitaire, comme Ellington était maintenant connu internationalement. Lors de la tournée du groupe dans le Sud en 1934, ils ont évité certaines des difficultés de voyage des Afro-Américains en faisant des tournées dans des wagons de chemin de fer privés. Ces installations offraient un hébergement, des salles à manger et des espaces de rangement faciles pour l’équipement, tout en évitant les indignités des établissements isolés.


Ces dernières années

La concurrence s’intensifiait, cependant, à mesure que des groupes de swing comme celui de Benny Goodman commençaient à attirer l’attention du public. La danse swing est devenue un phénomène de jeunesse, en particulier auprès du public des collèges blancs, et la possibilité de danser a stimulé les ventes et les réservations de disques. Les juke-boxes ont proliféré dans tout le pays, répandant l’évangile du swing. Le groupe d’Ellington pouvait certainement swinguer, mais leurs forces étaient l’humeur, la nuance et la richesse de la composition, d’où son affirmation « le jazz est musique, le swing est affaire ». [35]

A partir de 1936, Ellington commence à enregistrer avec de petits groupes (sextets, octets et nonets) tirés de son orchestre de 15 musiciens et compose des pièces destinées à un instrumentiste spécifique, comme « Jeep’s Blues » pour Johnny Hodges, « Yearning for Love » pour Lawrence Brown, « Trumpet in Spades » pour Rex Stewart, « Echoes of Harlem » pour Cootie Williams et « Clarinet Lament » pour Barney Bigard . En 1937, Ellington retourna au Cotton Club, qui s’était installé dans le quartier du théâtre du centre-ville. Au cours de l’été de cette année-là, son père décède et, en raison de nombreuses dépenses, les finances d’Ellington sont serrées, bien que sa situation s’améliore l’année suivante.

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Après avoir quitté l’agent Irving Mills, il s’est engagé auprès de l’agence William Morris. Mills a cependant continué d’enregistrer Ellington. Après seulement un an, ses étiquettes Master et Variety, que les petits groupes avaient enregistrées pour cette dernière, se sont effondrées à la fin de 1937, Mills a remis Ellington sur Brunswick et ces petits groupes sur Vocalion jusqu’en 1940. Des formations bien connues continuent à être enregistrées,  » Caravane  » en 1937, et  » I Let a Song Go Out of My Heart  » l’année suivante.


Vie personnelle

Billy Strayhorn, engagé à l’origine comme parolier, a commencé son association avec Ellington en 1939. Surnommé « Swee’ Pea » en raison de sa douceur, Strayhorn est rapidement devenu un membre essentiel de l’organisation Ellington. Ellington a montré une grande affection pour Strayhorn et n’a jamais manqué de parler avec éclat de l’homme et de leur relation de travail en collaboration, « mon bras droit, mon bras gauche, tous les yeux à l’arrière de ma tête, mes ondes cérébrales dans sa tête, et les siennes dans les miennes ». Strayhorn, avec sa formation en musique classique, a non seulement apporté ses paroles et sa musique originales, mais il a aussi arrangé et peaufiné de nombreuses œuvres d’Ellington, devenant ainsi un deuxième Ellington ou « double de Duke »[37]. Il n’était pas rare pour Strayhorn de remplacer Duke, que ce soit pour diriger ou répéter l’orchestre, jouer du piano, sur scène ou en studio. Les années 1930 se terminent par une tournée européenne très réussie au moment même où la Seconde Guerre mondiale se profile en Europe.

Certains des musiciens qui se sont joints à Ellington à cette époque ont créé une sensation à part entière. L’éphémère Jimmy Blanton a transformé l’utilisation de la contrebasse dans le jazz, lui permettant de fonctionner comme un instrument solo/melodique plutôt que comme un instrument rythmique seul. Une maladie en phase terminale l’a forcé à partir vers la fin de 1941, après seulement deux ans environ. Ben Webster, le premier saxophoniste ténor régulier de l’Orchestre, dont le mandat principal avec Ellington s’étend de 1939 à 1943, a entamé une rivalité avec Johnny Hodges comme voix principale de l’Orchestre dans la section des saxophones.

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Le trompettiste Ray Nance s’est joint à l’équipe en remplacement de Cootie Williams, qui avait fait défection à Benny Goodman . De plus, Nance a ajouté le violon aux couleurs instrumentales qu’Ellington avait à sa disposition. Il existe des enregistrements de la première date de concert de Nance, le 7 novembre 1940, à Fargo, Dakota du Nord. Réalisés en privé par Jack Towers et Dick Burris, ces enregistrements ont été publiés pour la première fois en 1978 sous le nom de Duke Ellington à Fargo, 1940 Live ; ils comptent parmi les premières d’innombrables prestations live qui ont survécu. Nance était aussi chanteur occasionnel, bien que Herb Jeffries ait été le principal chanteur masculin à cette époque (jusqu’en 1943) tandis qu’Al Hibbler (qui a remplacé Jeffries en 1943) a continué jusqu’en 1951. Ivie Anderson est parti en 1942 pour des raisons de santé après onze ans : le plus long terme de tous les chanteurs d’Ellington. [40]


Mort

Encore une fois pour Victor (à partir de 1940), les petits groupes enregistrent pour leur label Bluebird, des chefs-d’œuvre de trois minutes sur 78 tours continuent d’être enregistrés par Ellington, Billy Strayhorn, Mercer Ellington, fils d’Ellington, et les membres de l’Orchestre. « De cette période datent, entre autres, le  » Cotton Tail « , le  » Main Stem « , le  » Harlem Airshaft « , le  » Jack the Bear  » et des dizaines d’autres. Le  » Take the « A » Train  » de Strayhorn, un succès de 1941, est devenu le thème du groupe, remplaçant  » East St. Louis Toodle-Oo « . Ellington et ses associés ont écrit pour un orchestre de voix distinctives qui ont fait preuve d’une grande créativité. Mary Lou Williams, qui travaillait comme arrangeuse à l’interne, se joindra brièvement à Ellington quelques années plus tard[41].

L’objectif à long terme d’Ellington était d’étendre la forme jazz à partir de cette limite de trois minutes, dont il était un maître reconnu. Bien qu’il ait composé et enregistré quelques pièces de longue haleine auparavant, de telles œuvres sont maintenant devenues une caractéristique régulière de la production d’Ellington[42]. En cela, il a été aidé par Strayhorn, qui avait bénéficié d’une formation plus approfondie dans les formes associées à la musique classique que Ellington. Le premier d’entre eux, Black, Brown et Beige (1943), était consacré à l’histoire des Afro-Américains et à la place de l’esclavage et de l’Église dans leur histoire. Black, Brown and Beige a fait ses débuts au Carnegie Hall le 23 janvier 1943, débutant ainsi une série annuelle de concerts Ellington sur le site au cours des quatre années suivantes. Bien que certains musiciens de jazz aient déjà joué au Carnegie Hall, aucun d’entre eux n’avait joué quelque chose d’aussi élaboré que l’œuvre d’Ellington. Malheureusement, les œuvres plus longues d’Ellington n’ont généralement pas été bien accueillies au début d’un cycle régulier.

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Une exception partielle fut Jump for Joy, une comédie musicale complète basée sur les thèmes de l’identité afro-américaine, lancée le 10 juillet 1941 au Mayan Theater à Los Angeles. Des vedettes hollywoodiennes telles que les acteurs John Garfield et Mickey Rooney ont investi dans la production, et Charlie Chaplin et Orson Welles ont proposé de la réaliser. Lors d’une représentation, cependant, Garfield a insisté sur le fait que Herb Jeffries, qui avait la peau claire, devait se maquiller. Ellington s’y est opposé dans l’intervalle et a comparé Jeffries à Al Jolson . Le changement a été inversé, et le chanteur a plus tard commenté que le public a dû penser qu’il était un personnage complètement différent dans la deuxième moitié du spectacle. [44]


Héritage

Bien qu’il n’y ait pas eu de représentations à guichets fermés et qu’il ait reçu des critiques positives[45], il ne fut présenté que 122 représentations jusqu’au 29 septembre 1941, avec une brève reprise en novembre de la même année. Son sujet ne le rendait pas attrayant pour Broadway ; Ellington avait des plans non réalisés pour l’y emmener. Malgré cette déception, une production de Broadway de Beggar’s Holiday d’Ellington, son seul livre musical, est créée le 23 décembre 1946. 47] sous la direction de Nicholas Ray …

Le règlement de la première interdiction d’enregistrement de 1942-1943, qui a entraîné une augmentation des redevances versées aux musiciens, a eu de graves répercussions sur la viabilité financière des big bands, dont l’Ellington’s Orchestra. Ses revenus d’auteur-compositeur l’ont finalement subventionné. Bien qu’il ait toujours dépensé sans compter et tiré un revenu respectable des opérations de l’Orchestre, les revenus du groupe ne couvraient souvent que les dépenses. [48]

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L’enrôlement des musiciens dans l’armée et les restrictions de voyage ont rendu les tournées difficiles pour les big bands et la danse a été soumise à une nouvelle taxe, qui a continué pendant de nombreuses années, affectant les choix des propriétaires de clubs… À la fin de la Seconde Guerre mondiale, la musique populaire s’est tournée vers des chanteurs comme Frank Sinatra et Jo Stafford . Comme le coût d’embauche de big bands avait augmenté, les propriétaires de clubs trouvaient maintenant les petits groupes de jazz plus rentables. Certaines des nouvelles œuvres d’Ellington, comme le long métrage vocal sans paroles « Transblucency » (1946) avec Kay Davis, n’auront pas la même portée que les nouvelles stars émergentes.


Monuments commémoratifs

Ellington a continué sur sa propre voie à travers ces changements tectoniques. Alors que Count Basie a été contraint de dissoudre tout son ensemble et de travailler comme octuor pendant un certain temps, Ellington a pu tourner dans la plus grande partie de l’Europe occidentale entre le 6 avril et le 30 juin 1950, l’orchestre jouant 74 dates pendant 77 jours. Au cours de la tournée, selon Sonny Greer, les nouvelles œuvres n’ont pas été interprétées, bien que la composition étendue d’Ellington, Harlem (1950), soit en voie d’achèvement à cette époque[49]. Ellington a ensuite présenté sa partition au président amateur de musique Harry Truman . Pendant son séjour en Europe, Ellington composera également la musique d’une production scénique d’Orson Welles . Intitulé Time Runs in Paris[50] et An Evening With Orson Welles à Francfort, l’émission de variétés mettait également en vedette une Eartha Kitt récemment découverte, qui interprétait la chanson originale d’Ellington « Hungry Little Trouble » dans le rôle de Helen of Troy . [51]

En 1951, Ellington subit une importante perte de personnel : Sonny Greer, Lawrence Brown et, surtout, Johnny Hodges sont partis pour poursuivre d’autres entreprises, bien que seul Greer ait été un départ permanent. Le batteur Louie Bellson a remplacé Greer, et son « Skin Deep » a été un succès pour Ellington. Le ténor Paul Gonsalves s’était joint à l’orchestre en décembre 1950[49] après des périodes avec Count Basie et Dizzy Gillespie et y était resté pour le reste de sa vie, tandis que Clark Terry s’y était joint en novembre 1951. [52]

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Au début des années 1950, la carrière d’Ellington était à un point bas, son style étant généralement considéré comme démodé, mais sa réputation n’a pas autant souffert que celle de certains artistes. André Previn disait en 1952 : « Stan Kenton peut se tenir devant mille violons et mille cuivres et faire un geste dramatique et chaque arrangeur de studio peut hocher la tête et dire :  » Oh, oui, c’est fait comme ça. Mais Duke ne fait que lever le doigt, trois cornes font un bruit, et je ne sais pas ce que c’est ! » Cependant, en 1955, après trois ans d’enregistrement au Capitole, Ellington n’avait pas d’affiliation d’enregistrement régulière[53].


Hommages

L’apparition d’Ellington au Newport Jazz Festival, le 7 juillet 1956, lui redonne une plus grande notoriété et lui permet de rencontrer une nouvelle génération de fans. Le long métrage  » Diminuendo et Crescendo in Blue  » comprenait deux morceaux qui figuraient dans le livre du groupe depuis 1937 mais qui avaient été largement oubliés jusqu’à ce qu’Ellington, qui avait brusquement mis fin au set du groupe en raison de l’arrivée tardive de quatre joueurs clés, appelle les deux morceaux car l’heure approche minuit. Annonçant que les deux morceaux seraient séparés par un interlude joué par le saxophoniste ténor Paul Gonsalves, Ellington a dirigé le groupe à travers les deux morceaux, avec le solo marathon de 27 choeurs de Gonsalves qui a fouetté la foule, amenant le Maestro à jouer bien au-delà du couvre-feu malgré les appels urgents de George Wein, l’organisateur du festival, de mettre un terme au programme.

Le concert a fait la une des journaux internationaux, a donné lieu à l’une des cinq couvertures de magazine Time consacrées à un musicien de jazz,[54] et a donné lieu à un album produit par George Avakian qui allait devenir le disque le plus vendu de la carrière d’Ellington. Une grande partie de la musique du disque vinyle était en fait simulée, et seulement 40 % environ provenait du concert en tant que tel[55]. Selon Avakian, Ellington n’était pas satisfait de certains aspects du spectacle et estimait que les musiciens n’avaient pas suffisamment répété. Le groupe s’est réuni le lendemain pour réenregistrer plusieurs des numéros avec l’ajout d’un bruit artificiel de foule, dont aucun n’a été divulgué aux acheteurs de l’album[55]. Ce n’est qu’en 1999 que l’enregistrement du concert est sorti pour la première fois. Johnny Hodges était de retour l’année précédente et la collaboration d’Ellington avec Strayhorn avait été renouvelée à peu près à la même époque, dans des conditions plus favorables pour le jeune homme. Citation nécessaire ]

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L’album original d’Ellington at Newport était la première sortie d’un nouveau contrat d’enregistrement avec Columbia Records qui a donné plusieurs années de stabilité d’enregistrement, principalement sous la direction du producteur Irving Townsend, qui a obtenu des productions commerciales et artistiques de Ellington. [56]


Discography

En 1957, CBS (la société mère de Columbia Records) a diffusé une production télévisée en direct de A Drum Is a Woman, une suite allégorique qui a reçu des critiques mitigées. Son espoir de voir la télévision offrir un nouveau débouché important à son type de jazz ne s’est pas réalisé. Les goûts et les tendances avaient évolué sans lui. Les apparitions au nouveau Monterey Jazz Festival et à d’autres festivals ont permis une exposition en direct, et une tournée européenne en 1958 a été bien accueillie. Such Sweet Thunder (1957), basé sur les pièces et les personnages de Shakespeare, et The Queen’s Suite (1958), dédiée à la reine Elizabeth II de Grande-Bretagne, sont les produits du nouvel élan que l’apparition de Newport a contribué à créer, bien que cette dernière œuvre ne soit pas commercialement publiée à l’époque. À la fin des années 1950, Ella Fitzgerald a également enregistré son Duke Ellington Songbook (Verve) avec Ellington et son orchestre – une reconnaissance que les chansons d’Ellington faisaient maintenant partie du canon culturel connu sous le nom de  » Great American Songbook « .

C’est à cette époque qu’Ellington et Strayhorn ont commencé à travailler sur la musique de la bande originale de films. Le premier d’entre eux était Anatomie d’un meurtre (1959),[32] un drame de salle d’audience réalisé par Otto Preminger et mettant en vedette James Stewart, dans lequel Ellington apparaît devant un combo roadhouse. Vient ensuite le Paris Blues (1961), avec Paul Newman et Sidney Poitier comme musiciens de jazz. En 2009, le critique musical de Detroit Free Press, Mark Stryker, a écrit que le travail d’Ellington et de Strayhorn dans Anatomy of a Murder, est « indispensable,[bien que]… trop sommaire pour figurer au premier rang des chefs-d’œuvre d’Ellington-Strayhorn comme Such Sweet Thunder et The Far East Suite, mais ses moments les plus inspirés sont les mêmes ». [57]

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Les historiens du cinéma ont reconnu la bande sonore « comme un repère – la première musique de film importante d’Hollywood de la part d’Afro-Américains comprenant de la musique non diégétique, c’est-à-dire de la musique dont la source n’est pas visible ou impliquée par l’action du film, comme un groupe sur écran ». La partition évite les stéréotypes culturels qui caractérisaient auparavant les partitions de jazz et rejette une stricte adhésion au visuel qui présage le cinéma de la Nouvelle Vague des années 60″. Ellington et Strayhorn, toujours à la recherche de nouveaux territoires musicaux, ont produit des suites pour le roman de John Steinbeck Sweet Thursday, Casse-Noisette de Tchaïkovski et Peer Gynt d’Edvard Grieg.


Prix et distinctions

Au début des années 1960, Ellington s’est tourné vers l’enregistrement avec des artistes qui avaient été des rivaux amicaux dans le passé, ou de jeunes musiciens qui se sont concentrés sur des styles plus récents. Les orchestres Ellington et Count Basie ont enregistré avec l’album First Time ! Le comte rencontre le duc (1961). Pendant une période où Ellington était entre deux contrats d’enregistrement, il a enregistré avec Louis Armstrong (« Roulette »), Coleman Hawkins, John Coltrane (tous deux pour Impulse) et a participé à une session avec Charles Mingus et Max Roach qui a produit l’album « Money Jungle » (United Artists). Il a signé pour le nouveau label Reprise de Frank Sinatra, mais l’association avec ce label a été de courte durée.

Des musiciens qui avaient déjà travaillé avec Ellington sont retournés à l’Orchestre en tant que membres : Lawrence Brown en 1960 et Cootie Williams en 1962.

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L’écriture et l’interprétation de la musique est une question d’intention……. Tu ne peux pas jeter un pinceau contre le mur et appeler ça de l’art. Ma musique correspond à la personnalité tonale du joueur. Je pense trop fortement à modifier ma musique pour que l’interprète puisse être impressionné par la musique accidentelle. Tu ne peux pas prendre le gribouillage au sérieux. [12]


Prix Grammy

Il se produit maintenant partout dans le monde ; une part importante de chaque année est consacrée à des tournées à l’étranger. En conséquence, il noue de nouvelles relations de travail avec des artistes du monde entier, dont la chanteuse suédoise Alice Babs et les musiciens sud-africains Dollar Brand et Sathima Bea Benjamin (A Morning in Paris, 1963/1997).

Ellington a écrit une musique originale pour la production de Timon of Athens de Shakespeare par le réalisateur Michael Langham au Festival de Stratford en Ontario, Canada, qui a débuté le 29 juillet 1963. Langham l’a utilisé pour plusieurs productions ultérieures, y compris une adaptation beaucoup plus tardive de Stanley Silverman qui élargit la partition avec certaines des œuvres les plus connues d’Ellington.

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Ellington a été finaliste pour le Prix Pulitzer de la musique en 1965, mais aucun prix n’a finalement été décerné cette année-là. Alors âgé de 66 ans, il plaisantait : « Le destin est d’être gentil avec moi. Le destin ne veut pas que je sois célèbre trop jeune. » En 1999, il a reçu, à titre posthume, un prix Pulitzer spécial  » commémorant le centenaire de sa naissance, en reconnaissance de son génie musical, qui évoquait esthétiquement les principes de la démocratie par le biais du jazz et apportait ainsi une contribution indélébile à l’art et à la culture « [60]. [4] [61]


Temple de la renommée du Grammy

En septembre 1965, il a créé le premier de ses Concerts sacrés . Il a créé une liturgie chrétienne jazz. Bien que l’œuvre ait reçu des critiques mitigées, Ellington était fier de la composition et l’a interprétée des douzaines de fois. Ce concert fut suivi de deux autres du même type en 1968 et 1973, connus sous le nom de Deuxième et Troisième Concerts sacrés. Celles-ci ont suscité la controverse dans ce qui était déjà une période tumultueuse aux États-Unis. Beaucoup voyaient les suites Sacred Music comme une tentative de renforcer le soutien commercial à la religion organisée, bien qu’Ellington ait simplement dit que c’était « la chose la plus importante que j’ai faite ». 62] Le piano Steinway sur lequel les Concerts sacrés ont été composés fait partie de la collection du Musée national d’histoire américaine du Smithsonian. Comme Haydn et Mozart, Ellington dirigeait son orchestre depuis le piano – il jouait toujours les parties de clavier lorsque les Concerts sacrés étaient donnés. [63]

Duke a eu 65 ans au printemps 1964 mais n’a montré aucun signe de ralentissement en continuant à faire des enregistrements vitaux et novateurs, notamment The Far East Suite (1966), New Orleans Suite (1970), Latin American Suite (1972) et The Afro-Eurasian Eclipse (1971), dont une bonne partie s’inspire de ses tournées mondiales. C’est à cette époque qu’il enregistre son seul album avec Frank Sinatra, intitulé Francis A. & Edward K. (1967).

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Ellington a donné ce qui est considéré comme son dernier concert complet dans une salle de bal à la Northern Illinois University le 20 mars 1974. [64]


Distinctions honorifiques et inductions

Les trois derniers spectacles qu’Ellington et son orchestre ont présentés ont eu lieu le 21 mars 1973 au Purdue University’s Hall of Music et deux le 22 mars 1973 à l’auditorium Sturges-Young à Sturgis, Michigan . [65]

Ellington a épousé Edna Thompson (d. 1967), son amie d’école secondaire, le 2 juillet 1918, alors qu’il avait 19 ans. Le printemps suivant, le 11 mars 1919, Edna donna naissance à leur fils unique, Mercer Kennedy Ellington .

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Ellington a été rejoint à New York par sa femme et son fils à la fin des années vingt, mais le couple s’est bientôt séparé définitivement. Selon sa notice nécrologique dans le magazine Jet, elle avait « le mal du pays pour Washington » et elle en est revenue. En 1928, Ellington devient le compagnon de Mildred Dixon, qui voyage avec lui, dirige Tempo Music, inspire des chansons au sommet de sa carrière et élève son fils Mercer.


Notes

En 1938, il quitte sa famille (son fils a 19 ans) et s’installe chez Beatrice « Evie » Ellis, employée du Cotton Club. Leur relation, bien qu’orageuse, s’est poursuivie après la rencontre d’Ellington et la création d’une relation avec Fernanda de Castro Monte au début des années 1960. Ellington a soutenu les deux femmes pour le reste de sa vie. [68]

Ruth (1915-2004), la sœur d’Ellington, dirigea plus tard Tempo Music, sa maison d’édition musicale. Le deuxième mari de Ruth était le baryton-basse McHenry Boatwright, qu’elle a rencontré quand il a chanté aux funérailles de son frère. À l’âge adulte, son fils Mercer Ellington (d. 1996) jouait de la trompette et du piano, dirigeait son propre groupe et travaillait comme directeur commercial de son père[69].

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Ellington était un membre d’Alpha Phi Alpha et était un franc-maçon associé à la Franc-maçonnerie Prince Hall. [70]


Références et références

Ellington est décédé le 24 mai 1974 des complications d’un cancer du poumon et d’une pneumonie[71], quelques semaines après son 75e anniversaire. Lors de ses funérailles, auxquelles ont assisté plus de 12 000 personnes à la cathédrale Saint-Jean le Divin, Ella Fitzgerald a résumé l’événement en ces termes : « C’est un jour très triste. Un génie est passé. » [72]

Il a été enterré au cimetière de Woodlawn, dans le Bronx, à New York. [73]

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De nombreux monuments commémoratifs ont été dédiés à Duke Ellington, dans des villes de New York et Washington, D.C. à Los Angeles. Ellington est enterré au cimetière de Woodlawn, dans le Bronx, à New York.


Références et références

Dans la ville natale d’Ellington, Washington, D.C., la Duke Ellington School of the Arts forme des étudiants talentueux qui envisagent une carrière artistique en leur offrant un enseignement artistique intensif et de solides programmes scolaires qui les préparent aux études postsecondaires et aux carrières professionnelles. Construit à l’origine en 1935, le pont de la rue Calvert a été renommé le pont Duke Ellington en 1974. Une autre école est P.S. 004 Duke Ellington à New York.

En 1989, une plaque de bronze a été fixée au nouvel édifice Duke Ellington, au 2121 Ward Place, au nord-ouest. En 2012, le nouveau propriétaire de l’édifice commande une murale d’Aniekan Udofia qui apparaît au-dessus du lettrage « Duke Ellington ». En 2010, le parc triangulaire, situé en face du lieu de naissance de Duke Ellington, à l’intersection des rues New Hampshire et M, a été nommé le parc Duke Ellington.

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La résidence d’Ellington au 2728, avenue Sherman, NW, pendant les années 1919-1922,[75] est marquée par une plaque de bronze.


Références et références

Le 24 février 2009, la Monnaie des États-Unis a émis une pièce de monnaie avec Duke Ellington, faisant de lui le premier Afro-Américain à apparaître seul sur une pièce américaine en circulation. 76] Ellington apparaît au verso (queues) du quartier du District de Columbia. La pièce fait partie du programme de la Monnaie royale américaine qui honore le District et les territoires américains[77] et célèbre le lieu de naissance d’Ellington dans le District de Columbia. Ellington est représenté sur le quartier assis à un piano, partition à la main, avec l’inscription « Justice pour tous », qui est la devise du District. [77]

En 1986, un timbre commémoratif des États-Unis a été émis avec le portrait d’Ellington. [78]

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Ellington a vécu pendant des années dans une maison en rangée au coin de Riverside Drive et West 106th Street à Manhattan. Après sa mort, West 106th Street a été officiellement rebaptisée Duke Ellington Boulevard. Un grand monument à la mémoire d’Ellington, créé par le sculpteur Robert Graham, a été inauguré en 1997 dans le Central Park de New York, près de la Fifth Avenue et de la 110th Street, une intersection appelée Duke Ellington Circle .


Références et références

Une statue d’Ellington au piano est exposée à l’entrée de la salle Schoenberg de l’UCLA. Selon le magazine UCLA :

Lorsque les étudiants de l’UCLA ont été séduits par les airs provocateurs de Duke Ellington dans un club de Culver City en 1937, ils ont demandé au grand musicien en herbe de donner un concert gratuit à Royce Hall . « J’attendais que quelqu’un nous le demande ! s’exclama Ellington.

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Le jour du concert, Ellington a accidentellement mélangé les lieux et s’est rendu à USC. Il est finalement arrivé sur le campus de l’UCLA et, pour s’excuser de son retard, il a joué devant une foule comble pendant plus de quatre heures. C’est ainsi que « Sir Duke » et son groupe ont joué pour la première fois le jazz dans une salle de concert. [79]


Références et références

Essentiellement, le Ellington High School Jazz Band Competition and Festival est un concours annuel de renommée nationale pour les orchestres prestigieux des écoles secondaires. Commencé en 1996 au Jazz au Lincoln Center, le festival porte le nom d’Ellington en raison de l’importance que le festival accorde à ses œuvres.

Après la mort de Duke, son fils Mercer a pris la direction de l’orchestre, jusqu’à sa propre mort en 1996. Comme le Count Basie Orchestra, ce « ghost band » a continué à sortir des albums pendant de nombreuses années. Digital Duke, crédité au Duke Ellington Orchestra, a remporté le Grammy Award 1988 pour le meilleur album du meilleur grand ensemble de jazz . Mercer Ellington s’occupait de tous les aspects administratifs de l’entreprise de son père depuis plusieurs décennies. Les enfants de Mercer continuent d’avoir un lien avec le travail de leur grand-père.

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Gunther Schuller a écrit en 1989 :


Références et références

Ellington composa sans cesse jusqu’aux derniers jours de sa vie. La musique était en effet sa maîtresse, c’était toute sa vie et son engagement était incomparable et inaltérable. Dans le jazz, c’était un géant parmi les géants. Et dans la musique du XXe siècle, il pourrait encore un jour être reconnu comme l’un des six plus grands maîtres de notre temps. [80]

Martin Williams a dit : « Duke Ellington a vécu assez longtemps pour s’entendre nommer parmi nos meilleurs compositeurs. Et depuis sa mort en 1974, il n’est pas rare de le voir nommé, avec Charles Ives, comme le plus grand compositeur que nous ayons produit, peu importe la catégorie. » [81]

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De l’avis de Bob Blumenthal du Boston Globe en 1999 :  » Depuis sa naissance, il n’y a pas eu de plus grand compositeur, américain ou autre, qu’Edward Kennedy Ellington. » [82]


Références et références

En 2002, le savant Molefi Kete Asante a inscrit Duke Ellington sur sa liste des 100 plus grands Afro-Américains. [83]

Ses compositions ont été revisitées par des artistes et des musiciens du monde entier, à la fois comme source d’inspiration et comme fondement de leur propre carrière.

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Il existe des centaines d’albums consacrés à la musique de Duke Ellington et Billy Strayhorn par des artistes célèbres et obscurs. Sophisticated Ladies, une revue musicale primée de 1981, a incorporé de nombreux airs du répertoire d’Ellington. Une deuxième comédie musicale de Broadway interpolant la musique d’Ellington, Play On ! a fait ses débuts en 1997.


Références et références

Ellington a remporté 14 prix Grammy de 1959 à 2000, dont trois à titre posthume et un total de 24 nominations.

Les enregistrements de Duke Ellington ont été intronisés au Grammy Hall of Fame, qui est un prix Grammy spécial créé en 1973 pour honorer les enregistrements qui ont au moins vingt-cinq ans et qui ont une signification qualitative ou historique.

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Nous remercions nos sources pour leur aide https://en.wikipedia.org/wiki/Duke_Ellington

Traduction – Copyright 100% Django 2018-2019