John Coltrane


biography

John William Coltrane (23 septembre 1926 – 17 juillet 1967)[1] était un saxophoniste et compositeur de jazz américain, également appelé  » Trane « . Travaillant dans le bebop et le hard bop dès le début de sa carrière, Coltrane a été un pionnier dans l’utilisation des modes et plus tard à l’avant-garde du free jazz . Il a dirigé au moins cinquante séances d’enregistrement et a participé à de nombreux albums d’autres musiciens, dont le trompettiste Miles Davis et le pianiste Thelonious Monk .

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Au cours de sa carrière, la musique de Coltrane prend une dimension de plus en plus spirituelle. Coltrane reste l’un des saxophonistes les plus influents de l’histoire de la musique. Il a reçu de nombreux prix et distinctions posthumes, dont la canonisation par l’Église orthodoxe africaine et un prix Pulitzer spécial en 2007. Sa deuxième femme était la pianiste Alice Coltrane et leur fils, Ravi Coltrane, est aussi saxophoniste.


Début de la vie et carrière (1926-1954)

Coltrane est né dans l’appartement de ses parents au 200 Hamlet Avenue, Hamlet, Caroline du Nord, le 23 septembre 1926. Son père était John R. Coltrane[4] et sa mère était Alice Blair. Il a grandi à High Point, en Caroline du Nord, à la William Penn High School (maintenant la Penn-Griffin School for the Arts). À partir de décembre 1938, la tante, les grands-parents et le père de Coltrane sont tous morts en quelques mois, laissant John à sa mère et à un cousin proche. 7] En juin 1943, il s’installe à Philadelphie… En septembre de la même année, sa mère lui achète son premier saxophone, un alto. Coltrane a joué de la clarinette et du cor alto dans un groupe communautaire avant de se mettre au saxophone alto au secondaire. Il fait ses premiers concerts professionnels au début ou au milieu de l’année 1945 – un « trio cocktail lounge », avec piano et guitare. [8]

Pour éviter d’être enrôlé par l’armée, Coltrane s’est enrôlé dans la marine le 6 août 1945, le jour où la première bombe atomique américaine a été larguée sur le Japon. Il a été formé comme apprenti marin au poste d’entraînement naval de Sampson dans le nord de l’État de New York avant d’être envoyé à Pearl Harbor[9], où il était stationné à Manana Barracks[10], la plus importante affectation de militaires afro-américains au monde. À son arrivée à Hawaï, à la fin de 1945, la Marine était déjà en train de réduire rapidement ses effectifs[11]. Le talent musical de Coltrane a été rapidement reconnu, cependant, et il est devenu l’un des rares hommes de la Marine à servir en tant que musicien sans avoir obtenu la qualification de musicien lorsqu’il a rejoint le Melody Masters, le groupe de swing de base. Comme les Melody Masters étaient un groupe entièrement blanc, Coltrane a été traité simplement comme un interprète invité afin d’éviter d’alerter les officiers supérieurs de sa participation à l’orchestre[9]. 12] Il continuait d’accomplir d’autres tâches lorsqu’il ne jouait pas avec le groupe, y compris des tâches de cuisine et de sécurité. À la fin de son service, il avait assumé un rôle de leader au sein de la bande. Ses premiers enregistrements, une session informelle à Hawaï avec des musiciens de la Marine, ont eu lieu le 13 juillet 1946. Coltrane jouait du saxophone alto sur une sélection de standards du jazz et de mélodies bebop. [14]

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Après avoir été déchargé de ses fonctions dans la marine, en tant que matelot de première classe en août 1946, Coltrane retourne à Philadelphie, où il « plonge dans l’excitation enivrante de la nouvelle musique et de la scène bebop en plein essor ». Après une tournée avec King Kolax, il se joint à un groupe de Philadelphie dirigé par Jimmy Heath, que son ancien copain de la Marine, le trompettiste William Massey, qui avait joué avec Coltrane dans les Melody Masters, a initié au jeu de Coltrane[15]. À Philadelphie, après la guerre, il étudie la théorie du jazz avec le guitariste et compositeur Dennis Sandole et continue sous la tutelle de Sandole au début des années 1950. Altoïste à l’origine,[17] Coltrane a également commencé à jouer du saxophone ténor avec le Eddie Vinson Band en 1947. Coltrane parlera plus tard de ce moment de sa vie comme d’une époque où  » un plus grand espace d’écoute s’ouvre à moi « [18]. Il y avait beaucoup de choses que des gens comme Hawk[Coleman Hawkins], Ben[Webster] et Tab Smith faisaient dans les années 40 que je ne comprenais pas, mais que je ressentais avec émotion. » Selon le saxophoniste ténor Odean Pope, le pianiste, compositeur et théoricien de Philadelphie Hasaan Ibn Ali . « Hasaan était l’indice du système que Trane utilise. Hasaan a eu une grande influence sur le concept mélodique de Trane. » [20]


Période de Miles et Monk (1955-1957)

Un moment important dans la progression du développement musical de Coltrane s’est produit le 5 juin 1945, lorsqu’il a vu Charlie Parker jouer pour la première fois. 6] Dans un article de DownBeat en 1960, il se souvient : « la première fois que j’ai entendu Bird jouer, ça m’a frappé entre les yeux. » Parker est devenu une idole à ses débuts, et ils ont joué ensemble à l’occasion à la fin des années 1940. [6]

La correspondance contemporaine montre que Coltrane était déjà connu sous le nom de « Trane » à cette époque, et que la musique de quelques sessions d’enregistrement de 1946 avait été jouée pour le trompettiste Miles Davis, ce qui l’impressionnait peut-être. [6]

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Coltrane était membre de groupes dirigés par Dizzy Gillespie, Earl Bostic et Johnny Hodges du début au milieu des années 1950. [6]


Davis et Coltrane

À l’été 1955, Coltrane travaillait à son compte à Philadelphie tout en étudiant avec le guitariste Dennis Sandole lorsqu’il a reçu un appel de Davis. Le trompettiste, dont le succès à la fin des années quarante avait été suivi de plusieurs années de déclin d’activité et de réputation, dû en partie à ses luttes avec l’héroïne, était de nouveau actif et sur le point de former un quintet. Coltrane a fait partie de cette édition du groupe Davis (connu sous le nom de « First Great Quintet » – avec Red Garland au piano, Paul Chambers à la basse et Philly Joe Jones à la batterie) d’octobre 1955 à avril 1957 (avec quelques absences). Au cours de cette période, Davis sort plusieurs enregistrements influents qui révèlent les premiers signes de la capacité croissante de Coltrane. Ce quintette, représenté par deux sessions d’enregistrement marathon pour Prestige en 1956, a abouti aux albums Cookin’,’ Relaxin’, Workin’, et Steamin’ . Le « Premier Grand Quintette » s’est dissous en partie à cause de la dépendance à l’héroïne de Coltrane. [6]

A la fin de l’année 1957, Coltrane travaille avec Thelonious Monk au Five Spot Café de New York et joue dans le quatuor de Monk (juillet-décembre 1957), mais, en raison de conflits contractuels, il ne participe qu’à une seule session officielle d’enregistrement en studio avec ce groupe. Coltrane enregistre de nombreux albums pour Prestige sous son propre nom à cette époque, mais Monk refuse d’enregistrer pour son ancien label. Un enregistrement privé réalisé par Juanita Naima Coltrane d’une réunion du groupe en 1958 a été publié par Blue Note Records comme Live at the Five Spot-Discovery ! en 1993. Une cassette de haute qualité d’un concert donné par ce quatuor en novembre 1957 a également été trouvée plus tard, et a été publiée par Blue Note en 2005. Enregistrés par Voice of America, ces concerts confirment la réputation du groupe, et l’album Thelonious Monk Quartet avec John Coltrane au Carnegie Hall est largement acclamé. [6]

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Blue Train, le seul rendez-vous de Coltrane en tant que leader de Blue Note, avec le trompettiste Lee Morgan, le bassiste Paul Chambers et le tromboniste Curtis Fuller, est souvent considéré comme son meilleur album de cette période. Quatre de ses cinq titres sont des compositions originales de Coltrane, et le titre « Moment’s Notice » et « Lazy Bird » sont devenus des standards. Les deux morceaux ont utilisé les premiers exemples de ses cycles de substitution d’accords connus sous le nom de Coltrane changes . [6]


Période avec Atlantic Records (1959-1961)

Coltrane rejoint Davis en janvier 1958. En octobre de la même année, le critique de jazz Ira Gitler invente le terme  » feuilles de son  » pour décrire le style que Coltrane développe avec Monk et se perfectionne dans le groupe de Davis, devenu sextet. Son jeu était compressé, avec des exécutions rapides en cascade dans des centaines de notes par minute. Il est resté avec Davis jusqu’en avril 1960, travaillant avec le saxophoniste alto Cannonball Adderley, les pianistes Red Garland, Bill Evans et Wynton Kelly, le bassiste Paul Chambers, et les batteurs Philly Joe Jones et Jimmy Cobb . Durant cette période, il participe aux sessions Davis Milestones et Kind of Blue, aux enregistrements de concerts Miles & Monk à Newport (1963) et Jazz at the Plaza (1958) . [6]

A la fin de cette période, Coltrane enregistre son premier album en tant que leader chez Atlantic Records, Giant Steps (1959), qui ne contient que ses compositions. Le titre de l’album est généralement considéré comme l’une des progressions d’accords les plus difficiles de toutes les compositions de jazz les plus jouées. Giant Steps utilise les changements de Coltrane . Son développement de ces cycles de progression d’accords altérés l’a amené à expérimenter davantage la mélodie improvisée et l’harmonie qu’il a continué tout au long de sa carrière. [6]

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En 1960, Coltrane forme son premier quatuor pour des performances en direct pour une apparition à la Jazz Gallery de New York. Après avoir fait appel à différents membres du personnel, dont Steve Kuhn, Pete La Roca et Billy Higgins, la formation s’est stabilisée à l’automne avec le pianiste McCoy Tyner, le bassiste Steve Davis, et le batteur Elvin Jones . Tyner, de Philadelphie, était un ami de Coltrane depuis quelques années et les deux hommes avaient compris que le pianiste rejoindrait Coltrane lorsque Tyner se sentirait prêt à travailler régulièrement avec lui. Les albums Coltrane’s Sound (1964) et Coltrane Plays the Blues (1962) ont également été enregistrés lors de ces mêmes sessions [ clarification nécessaire ]. [6]


Premières années chez Impulse Records (1961-1962)

Le premier disque de Coltrane avec son nouveau groupe est aussi ses débuts au saxophone soprano, l’immense succès My Favorite Things (1961). Vers la fin de son mandat avec Davis, Coltrane avait commencé à jouer de la soprano, un geste peu conventionnel compte tenu de la négligence de l’instrument dans le jazz à l’époque. Son intérêt pour le saxophone droit est probablement né de son admiration pour Sidney Bechet et l’œuvre de son contemporain, Steve Lacy, même si Davis prétend avoir donné à Coltrane son premier saxophone soprano. Le nouveau son de soprano a été associé à une exploration plus poussée. Par exemple, sur l’air de Gershwin « But Not for Me », Coltrane utilise les mêmes types de mouvements harmoniques agités que ceux utilisés sur les pas géants (mouvement en tierces majeures plutôt qu’en quarts parfaits) sur les sections A au lieu d’une progression conventionnelle en rotation. Plusieurs autres morceaux enregistrés lors de la session utilisaient cet appareil harmonique, dont  » 26-2 « ,  » Satellite « ,  » Body and Soul « , et  » The Night Has a Thousand Eyes « . [6]

En mai 1961, le contrat de Coltrane avec Atlantic est racheté par la nouvelle société Impulse ! Label de disques. L’avantage pour Coltrane d’enregistrer avec Impulse ! est qu’il pourra à nouveau travailler avec l’ingénieur Rudy Van Gelder, qui a enregistré ses sessions Prestige et celle de Davis, ainsi que Blue Train . C’est au nouveau studio de Van Gelder à Englewood Cliffs, dans le New Jersey, que Coltrane enregistre la plupart de ses disques pour le label.

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Au début de 1961, le bassiste Davis a été remplacé par Reggie Workman, tandis qu’Eric Dolphy s’est joint au groupe comme deuxième cor à peu près à la même époque. En novembre 1961, le quintette a fait l’objet d’une résidence au Village Vanguard, qui témoigne de la nouvelle orientation de Coltrane et qui a fait l’objet d’un grand nombre d’enregistrements. Il s’agit de la musique la plus expérimentale qu’il ait jouée jusqu’alors, influencée par les ragas indiens, les récents développements du jazz modal, et le mouvement naissant du free jazz. John Gilmore, saxophoniste de longue date avec le musicien Sun Ra Ra, a été particulièrement influent ; après avoir entendu un concert de Gilmore, Coltrane aurait dit « He’s got it ! Gilmore a le concept ! » La plus célèbre des mélodies d’avant-garde, le blues de 15 minutes, « Chasin’ the’Trane », s’inspire fortement de la musique de Gilmore. [23]


Période du Quatuor classique (1962-1965)

Au cours de cette période, les critiques ont été farouchement divisés dans leur estimation de Coltrane, qui avait radicalement changé son style. Le public est lui aussi perplexe ; en France, il est hué lors de sa dernière tournée avec Davis. En 1961, le magazine Down Beat inculpe Coltrane et Dolphy pour « Anti-Jazz », dans un article qui déconcerte et dérange les musiciens. Coltrane admet que certains de ses premiers solos étaient basés principalement sur des idées techniques. De plus, le jeu angulaire et vocal de Dolphy lui a valu une réputation de figure de proue du mouvement « New Thing » (également connu sous le nom de « Free Jazz » et « Avant-Garde ») dirigé par Ornette Coleman, qui a également été dénigré par certains musiciens de jazz (dont Davis) et la critique. Mais au fur et à mesure que le style de Coltrane se développe, il est déterminé à faire de chaque représentation « une expression complète de son être ». [24]

En 1962, Dolphy part et Jimmy Garrison remplace Workman comme bassiste. Dès lors, le « Classic Quartet », comme on l’appela, avec Tyner, Garrison et Jones, produisit un travail de recherche et d’inspiration spirituelle. Coltrane s’orientait vers un style plus harmoniquement statique qui lui permettait d’élargir ses improvisations de façon rythmique, mélodique et motivante. La musique harmonique complexe est toujours présente, mais sur scène, Coltrane privilégie le remaniement continu de ses « standards » : « Impressions », « Mes choses préférées » et « Je veux parler de toi ».

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La critique du quintette avec Dolphy peut avoir affecté Coltrane. Contrairement au radicalisme de ses enregistrements de 1961 au Village Vanguard, ses albums studio des deux années suivantes (à l’exception de Coltrane, 1962, qui présentait une version boursouflée de « Out of This World » d’Harold Arlen) étaient beaucoup plus conservateurs. Il a enregistré un album de ballades et a participé à des collaborations avec Duke Ellington sur l’album Duke Ellington et John Coltrane, et avec le chanteur de ballades à la voix grave Johnny Hartman sur un album éponyme. L’album Ballads (enregistré en 1961-62) est emblématique de la polyvalence de Coltrane, car le quatuor jette un nouvel éclairage sur des standards démodés comme « It’s Easy to Remember ». Malgré une approche plus raffinée en studio, le quatuor a continué à équilibrer en concert les « standards » et sa propre musique plus exploratoire et stimulante, comme en témoignent les Impressions (enregistrées en 1961-63), Live at Birdland et Newport’63 (toutes deux enregistrées en 1963). Impressions se compose de deux jams prolongés dont la chanson titre ainsi que « Dear Old Stockholm », « After the Rain » et un blues. Coltrane a dit plus tard qu’il aimait avoir un « catalogue équilibré ». Citation nécessaire ]


Le jazz d’avant-garde et le deuxième quatuor (1965-1967)

Le Classic Quartet a produit leur album à succès, A Love Supreme, en décembre 1964. Cette suite en quatre parties est une ode à sa foi en Dieu et à son amour pour lui, et elle représente le point culminant d’une grande partie du travail de Coltrane jusqu’ici. Ces préoccupations spirituelles caractérisent une grande partie de la composition et du jeu de Coltrane à partir de ce moment, comme en témoignent les titres d’albums tels que Ascension, Om et Meditations . Le quatrième mouvement de A Love Supreme, « Psalm », est en fait un cadre musical pour un poème original à Dieu écrit par Coltrane, et imprimé dans les notes de couverture de l’album. Coltrane joue presque exactement une note pour chaque syllabe du poème, et base son phrasé sur les mots. L’album a été composé chez Coltrane à Dix Hills sur Long Island.

Le quatuor n’a joué A Love Supreme en concert qu’une seule fois en juillet 1965 lors d’un concert à Antibes, en France. [25]

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Le 6 mars 1963, le groupe entre au Van Gelder Studio dans le New Jersey et enregistre une session qui a été perdue pendant des décennies après la destruction de sa bande maîtresse par Impulse Records pour réduire l’espace de stockage. Le 29 juin 2018, Impulse ! sort Both Directions at Once : The Lost Album, composé de sept titres tirés d’une copie de rechange que Coltrane a donnée à sa femme. [26] [27]


Ajouter au quatuor

À la fin de sa carrière, Coltrane s’intéresse de plus en plus au jazz d’avant-garde, que l’on retrouve chez Ornette Coleman, Albert Ayler, Sun Ra et autres. En développant son style tardif, Coltrane a été particulièrement influencé par la dissonance du trio d’Ayler avec le bassiste Gary Peacock, qui avait également travaillé avec Paul Bley, et le batteur Sunny Murray, dont le jeu a été affiné avec Cecil Taylor comme leader. Coltrane s’est fait le champion de nombreux jeunes musiciens de free jazz comme Archie Shepp, et sous son influence, Impulse ! est devenu un label de free jazz de premier plan.

Après l’enregistrement de A Love Supreme, le style d’Ayler est devenu plus important dans la musique de Coltrane. Une série d’enregistrements avec le Classic Quartet dans la première moitié de 1965 montre que le jeu de Coltrane devient de plus en plus abstrait, avec une plus grande incorporation de dispositifs comme la multiphonie, l’utilisation des harmoniques et le jeu dans le registre altissimo, ainsi qu’un retour mutant des feuilles sonores de Coltrane. En studio, il abandonne sa soprano pour se concentrer sur le saxophone ténor. De plus, le quatuor a répondu au leader en jouant avec une liberté croissante. L’évolution du groupe peut être retracée à travers les enregistrements The John Coltrane Quartet Plays, Living Space, Transition, New Thing at Newport, Sun Ship, et First Meditations .

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En juin 1965, il entre dans le studio de Van Gelder avec dix autres musiciens (dont Shepp, Pharoah Sanders, Freddie Hubbard, Marion Brown et John Tchicai) pour enregistrer Ascension, une pièce de 40 minutes qui comprend des solos des jeunes musiciens d’avant-garde (ainsi que Coltrane). Après avoir enregistré avec le quatuor au cours des mois suivants, Coltrane invite Sanders à se joindre au groupe en septembre 1965. Alors que Coltrane utilisait souvent le sursoufflage comme point d’exclamation émotionnelle, Sanders sursoufflait des solos entiers, provoquant des cris et des cris constants dans la gamme altissimo de l’instrument.


Instruments

À la fin de 1965, Coltrane s’ajoute régulièrement à son groupe avec Sanders et d’autres musiciens de free jazz. Rashied Ali rejoint le groupe comme second batteur. C’est la fin du quatuor ; prétendant ne pas pouvoir s’entendre sur les deux batteurs, Tyner quitte le groupe peu après l’enregistrement de Meditations . Jones est parti au début de 1966, insatisfait d’avoir partagé ses tâches de batteur avec Ali. Après la mort de Coltrane, Tyner et Jones expriment leur mécontentement à l’égard de la nouvelle orientation de la musique, tout en incorporant une partie de l’intensité de la forme free-jazz dans leurs propres projets solo.

On pense qu’en 1965 Coltrane a commencé à utiliser le LSD[28][29] pour informer la transcendance « cosmique » de sa période tardive. Après le départ de Jones et Tyner, Coltrane a dirigé un quintette avec Sanders au saxophone ténor, sa deuxième femme Alice Coltrane au piano, Garrison à la basse et Ali à la batterie. Coltrane et Sanders ont été décrits par Nat Hentoff comme  » parlant en langues « . Lors de ses tournées, le groupe était connu pour jouer de très longues versions de son répertoire, dont beaucoup s’étendaient sur plus de 30 minutes et parfois sur une heure. Les solos de concert pour les membres de l’orchestre durent souvent plus de quinze minutes.

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Le groupe peut être entendu sur plusieurs enregistrements de concerts de 1966, dont Live at the Village Vanguard Again ! et Live in Japan . En 1967, Coltrane entre en studio à plusieurs reprises ; bien que des morceaux avec Sanders aient fait surface (l’inhabituel « To Be », qui met en vedette les deux hommes à la flûte), la plupart des enregistrements sont soit avec le quatuor moins Sanders (Expression et Stellar Regions) soit en duo avec Ali. Ce dernier duo a produit six performances qui figurent sur l’album Interstellar Space .


Vie personnelle et croyances religieuses

En 1947, lorsqu’il se joint au groupe de King Kolax, Coltrane passe au saxophone ténor, l’instrument qu’il joue principalement. La préférence de Coltrane pour une mélodie plus aiguë au saxophone ténor (par rapport, par exemple, à Coleman Hawkins ou Lester Young) est attribuée à ses débuts et à sa formation au cor alto et à la clarinette ; son « concept sonore » (manipulé dans sa langue du conduit vocal, sa gorge) du ténor est supérieur à celui de l’instrument. [30]

Selon le batteur Rashied Ali, Coltrane s’intéressait à la batterie. Il avait souvent une batterie de rechange sur les scènes de concert qu’il jouait. Son intérêt pour la batterie et son penchant pour les solos avec la batterie ont résonné sur des titres tels que « Pursuance » et « The Drum Thing » de A Love Supreme et Crescent, respectivement. Il en est résulté plus tard l’album Interstellar Space avec Ali. [31]

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Au début des années 1960, au cours de son engagement chez Atlantic Records, il joue de plus en plus du saxophone soprano. Vers la fin de sa carrière, il expérimente la flûte traversière dans ses performances live et ses enregistrements en studio (« Live at the Village Vanguard Again !, Expression »). Après la mort de Dolphy en juin 1964, sa mère aurait donné à Coltrane sa flûte et sa clarinette basse. [32]


Mort

Les saxophones ténor (Selmer Mark VI, numéro de série 125571, 1965) et soprano (Selmer Mark VI, numéro de série 99626, 1962) de Coltrane ont été vendus aux enchères le 20 février 2005 pour recueillir des fonds pour la Fondation John Coltrane. La soprano a amassé 70 800 $, mais le ténor n’a pas été vendu. [33]

Bien que Coltrane jouait rarement de l’alto, il possédait un prototype de saxophone alto Yamaha que la compagnie lui avait offert en guise de reconnaissance en 1966. Ce prototype de saxophone est devenu le modèle « YAS-1″ » en 1967. On peut l’entendre sur divers albums live enregistrés au Japon, dont « Second Night in Tokyo », et on peut l’entendre sur la couverture de la compilation Live In Japan . Coltrane joue aussi l’alto Yamaha sur l’album Stellar Regions . En 2013, cet instrument (accompagné d’une preuve de propriété documentée) a été mis aux enchères sur eBay pour 115 000 $. [35]

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Coltrane est né et a grandi dans une famille chrétienne et a été influencé par la religion et la spiritualité dès son enfance. Son grand-père maternel, le révérend William Blair, était pasteur dans une église épiscopale méthodiste africaine de Sion[36][37] à High Point, en Caroline du Nord, et son grand-père paternel, le révérend William H. Coltrane, était pasteur AME Zion à Hamlet, Caroline du Nord. Le critique Norman Weinstein note le parallèle entre la musique de Coltrane et son expérience dans l’église méridionale[38], qui comprenait la pratique de la musique dans cette église pendant la jeunesse.


Héritage

En 1955, Coltrane épouse Naima (née Juanita Grubbs). Naima Coltrane, qui était déjà une convertie musulmane, a fortement influencé sa spiritualité. Quand ils se sont mariés, Naima a eu une fille de cinq ans nommée Antonia, plus tard nommée Saeeda. Coltrane a adopté Saeeda. Coltrane a rencontré Naima chez le bassiste Steve Davis à Philadelphie. La ballade d’amour qu’il a écrite en l’honneur de sa femme, « Naima », était la composition préférée de Coltrane. En 1956, le couple quitte Philadelphie avec leur fille de six ans et s’installe à New York. En août 1957, Coltrane, Naima et Saeeda ont emménagé dans un appartement sur la 103rd St. et Amsterdam Ave. à New York. Quelques années plus tard, John et Naima Coltrane ont acheté une maison au 116-60, rue Mexico à St. Albans, Queens . C’est dans cette maison qu’ils ont fini par se séparer en 1963. [40]

Au sujet de la rupture, Naima a dit dans Chasin’ the Trane de J.C. Thomas :  » Je sentais que cela allait arriver tôt ou tard, donc je n’étais pas vraiment surpris quand John a quitté la maison à l’été 1963. Il n’a donné aucune explication. Il m’a juste dit qu’il avait des choses à faire, et il n’est parti qu’avec ses vêtements et ses cornes. Il séjournait parfois à l’hôtel, d’autres fois avec sa mère à Philadelphie. Tout ce qu’il a dit, c’est : « Naima, je vais faire un changement. Même si je le sentais venir, ça faisait mal, et je ne m’en suis pas remis avant au moins un an. » Mais Coltrane a gardé une relation étroite avec Naima, l’appelant même en 1964 pour lui dire que 90% de son jeu serait de la prière[citation nécessaire]. Ils sont restés en contact jusqu’à sa mort en 1967 [ citation nécessaire ] . Naima Coltrane est décédée d’une crise cardiaque en octobre 1996 [citation nécessaire ] .

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En 1957, Coltrane a vécu une expérience religieuse qui l’a peut-être aidé à surmonter l’héroïnomanie[41][42] et l’alcoolisme[42] dont il souffrait depuis 1948. Dans les notes de couverture de A Love Supreme, Coltrane affirme qu’en 1957, « j’ai vécu, par la grâce de Dieu, un réveil spirituel qui devait me conduire à une vie plus riche, plus pleine, plus productive »[43]. A cette époque, en remerciement, j’ai humblement demandé qu’on me donne les moyens et le privilège de rendre les autres heureux par la musique. » Les notes de couverture semblent mentionner Dieu dans un sens universaliste et ne préconisent pas une religion plutôt qu’une autre. On trouve d’autres preuves de cette vision universelle de la spiritualité dans les notes de Méditations (1965), dans lesquelles Coltrane déclare : « Je crois en toutes les religions ». [45]


Vénération

Coltrane et Naima ont officiellement divorcé en 1966. En 1963, Coltrane rencontre la pianiste Alice McLeod . Lui et Alice emménagèrent ensemble et eurent deux fils avant qu’il ne soit « officiellement divorcé de Naima en 1966, date à laquelle Jean et Alice se marièrent immédiatement »[47]. John Jr. est né en 1964, Ravi en 1965 et Oranyan (« Oranyan ») en 1967. Selon le musicien et auteur Peter Lavezzoli, « Alice a apporté bonheur et stabilité à la vie de John, non seulement parce qu’ils avaient des enfants, mais aussi parce qu’ils partageaient plusieurs des mêmes croyances spirituelles, particulièrement un intérêt mutuel pour la philosophie indienne. Alice comprenait aussi ce que c’était que d’être un musicien professionnel. » [45]

Après A Love Supreme, de nombreux titres des chansons et albums de Coltrane étaient liés à des questions spirituelles : Ascension, Méditations, Om, Om, Altruisme, « Amen », « Montée », « Atteindre », « Cher Seigneur », « Suite de prière et de méditation », et « Le Père et le Fils et le Saint Esprit ». La collection de livres de Coltrane comprenait L’Évangile de Sri Ramakrishna, la Bhagavad Gita et l’Autobiographie d’un yogi de Paramahansa Yogananda[45]. Ce dernier décrit, selon Lavezzoli, une « recherche de la vérité universelle, un voyage que Coltrane a également entrepris ». Yogananda croyait que les voies spirituelles orientales et occidentales étaient efficaces, et a écrit sur les similitudes entre Krishna et Christ. Cette ouverture aux différentes traditions a résonné chez Coltrane, qui a étudié le Coran, la Bible, la Kabbale et l’astrologie avec la même sincérité. » Il a également exploré l’hindouisme, Jiddu Krishnamurti, l’histoire africaine, les enseignements philosophiques de Platon et d’Aristote,[49] et le bouddhisme zen . [50]

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En octobre 1965, Coltrane enregistre Om, se référant à la syllabe sacrée de l’hindouisme, qui symbolise l’infini ou l’Univers entier. Coltrane a décrit Om comme la « première syllabe, le mot primitif, le mot de pouvoir ». L’enregistrement de 29 minutes contient des chants de la Bhagavad Gita hindoue[52] et du Livre bouddhiste tibétain des morts,[53] et une récitation d’un passage décrivant la verbalisation primitive « om » comme un dénominateur commun cosmique/spirituel en toutes choses.


Discography

Le parcours spirituel de Coltrane s’entremêlait avec son exploration des musiques du monde… Il croyait non seulement en une structure musicale universelle qui transcendait les distinctions ethniques, mais aussi en la capacité d’exploiter le langage mystique de la musique elle-même. L’étude de la musique indienne par Coltrane l’a amené à croire que certains sons et échelles pouvaient « produire des significations émotionnelles spécifiques ». Selon Coltrane, le but d’un musicien était de comprendre ces forces, de les contrôler et d’obtenir une réponse du public. Coltrane a dit : « J’aimerais apporter aux gens quelque chose comme le bonheur. J’aimerais découvrir une méthode pour que si je veux qu’il pleuve, il commence tout de suite à pleuvoir. Si un de mes amis est malade, j’aimerais jouer une chanson et il sera guéri ; quand il serait fauché, je sortirais une autre chanson et immédiatement il recevrait tout l’argent dont il a besoin. » [54]

Coltrane est décédé d’un cancer du foie à l’hôpital Huntington de Long Island le 17 juillet 1967, à l’âge de 40 ans. Ses funérailles ont eu lieu quatre jours plus tard à l’église luthérienne St. Peter’s de New York. Le service a été ouvert par le Quatuor Albert Ayler et fermé par le Quatuor Ornette Coleman. Coltrane est enterré au cimetière Pinelawn à Farmingdale, New York.

Notre sélection de vidéos John Coltrane

Source :https://www.youtube.com/watch?v=-81AEUqHPzU
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Un de ses biographes, Lewis Porter, a suggéré que la cause de la maladie de Coltrane était l’hépatite, bien qu’il ait également attribué la maladie à la consommation d’héroïne de Coltrane. Dans une entrevue accordée en 1968, Ayler prétend que Coltrane consultait un guérisseur méditatif hindou pour sa maladie plutôt que la médecine occidentale, bien qu’Alice Coltrane l’ait nié par la suite[55]. Citation nécessaire ]


Disques Prestige et Blue Note

La mort de Coltrane a surpris de nombreux membres de la communauté musicale qui n’étaient pas au courant de son état. La mort de Coltrane a choqué tout le monde, pris tout le monde par surprise. Je savais qu’il n’avait pas l’air très bien…. Mais je ne savais pas qu’il était si malade ou même malade. » [56]

L’influence de Coltrane sur la musique s’étend sur de nombreux genres et musiciens. L’influence massive de Coltrane sur le jazz, qu’il s’agisse du jazz grand public ou du jazz d’avant-garde, a commencé au cours de sa vie et a continué à croître après sa mort. Il est l’une des influences les plus dominantes chez les saxophonistes de jazz d’après 1960 et a inspiré des générations entières de musiciens de jazz.

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En 1965, Coltrane a été intronisé au Down Beat Jazz Hall of Fame . En 1972, A Love Supreme a été certifié or par le RIAA pour s’être vendu à plus d’un demi-million d’exemplaires au Japon. Cet album, ainsi que My Favorite Things, a été certifié or aux États-Unis en 2001. En 1982, il a reçu un Grammy posthume pour la « Meilleure interprétation en solo de jazz » sur l’album Bye Bye Bye Blackbird, et en 1997, il a reçu le Grammy Lifetime Achievement Award . En 2002, l’érudit Molefi Kete Asante a nommé Coltrane l’un de ses 100 plus grands Afro-Américains . Coltrane a reçu un prix Pulitzer spécial en 2007, citant son « improvisation magistrale, sa musicalité suprême et sa centralité iconique dans l’histoire du jazz »[57]. Il a été intronisé au Temple de la renommée de la musique de la Caroline du Nord en 2009. [58]


Records de l’Atlantique

Sa veuve, Alice Coltrane, a brièvement retrouvé un profil public avant sa mort en 2007. Une ancienne maison, la John Coltrane House à Philadelphie, a été désignée Monument historique national en 1999. Sa dernière demeure, la John Coltrane Home dans le quartier Dix Hills de Huntington, New York, où il a résidé de 1964 jusqu’à sa mort, a été ajoutée au National Register of Historic Places le 29 juin 2007. Un de leurs fils, Ravi Coltrane, du nom du sitariste Ravi Shankar, est également saxophoniste.

La famille Coltrane posséderait beaucoup plus de musique inédite, principalement des bandes de référence mono faites pour le saxophoniste et, comme pour la sortie de Stellar Regions en 1995, des bandes maîtresses qui ont été retirées du studio et ne sont jamais revenues. La maison mère d’Impulse !, connue sous le nom d’ABC Records de 1965 à 1979, a purgé une grande partie de son matériel inédit dans les années 1970. Lewis Porter a déclaré qu’Alice Coltrane avait l’intention de sortir cette musique, mais sur une longue période de temps ; Ravi Coltrane est responsable de la révision du matériel. Citation nécessaire ]

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A la poursuite de Trane : The John Coltrane Documentary, est un film américain de 2016 réalisé par John Scheinfeld. Raconté par Denzel Washington, le film raconte la vie de Coltrane dans ses propres mots et comprend des entrevues avec des admirateurs comme Wynton Marsalis, Sonny Rollins, Bill Clinton, et Cornel West . [60]


Impulsion ! Dossiers

Après la mort de Coltrane, une congrégation appelée le Yardbird Temple à San Francisco a commencé à l’adorer comme Dieu incarné. 61] Le groupe a été nommé d’après Charlie Parker, qu’ils assimilaient à Jean-Baptiste . La congrégation s’affilia plus tard à l’Église orthodoxe africaine, ce qui impliqua de changer le statut de Coltrane, de dieu à saint[61]. John Coltrane, San Francisco, est la seule église orthodoxe africaine qui incorpore la musique et les paroles de Coltrane comme prières dans sa liturgie[61]. [62]

Samuel G. Freedman a écrit dans un article du New York Times que « l’église de Coltrane n’est pas un gadget ou un alliage forcé de musique de boîte de nuit et de foi éthérée. Son message de délivrance par le son divin est en fait tout à fait cohérent avec l’expérience et le message de Coltrane. » Freedman commente aussi la place de Coltrane dans le canon de la musique américaine :

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De manière implicite et explicite, Coltrane a également fonctionné comme une figure religieuse. Accro à l’héroïne dans les années 1950, il a quitté la dinde froide et a expliqué plus tard qu’il avait entendu la voix de Dieu pendant son retrait angoissant. (…) En 1966, un interviewer japonais demanda à Coltrane ce qu’il espérait être dans cinq ans, et Coltrane répondit : « Un saint. » [61]


Sessionography

Coltrane est représenté comme l’un des 90 saints dans l’icône des Saints Danseurs de l’église épiscopale Saint Grégoire de Nyssa à San Francisco. L’icône est un tableau de 280 m2 (3 000 pieds carrés) de style iconographique byzantin qui entoure toute la rotonde de l’église. Il a été exécuté par Mark Dukes, un diacre ordonné à l’église Saint John Coltrane African Orthodox Church, qui a peint d’autres icônes de Coltrane pour l’église Coltrane. L’église épiscopale Saint Barnabé de Newark, dans le New Jersey, a inscrit Coltrane sur sa liste des saints noirs historiques et lui a présenté un « argument en faveur de la sainteté » dans un article sur leur ancien site Web. [64]

Parmi les documentaires sur Coltrane et l’église, mentionnons The Church of Saint Coltrane d’Alan Klingenstein (1996),[65][66] et une émission présentée en 2004 par Alan Yentob pour la BBC . [67]

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La discographie ci-dessous énumère les albums conçus et approuvés par Coltrane comme un leader de son vivant. Il ne comprend pas ses nombreuses sorties en tant que sideman, les sessions rassemblées en albums par diverses maisons de disques après l’expiration du contrat de Coltrane, les sessions avec Coltrane en tant que sideman rééditées plus tard avec son nom plus en évidence, ou les compilations posthumes, sauf celle qu’il a approuvée avant sa mort. Voir le lien de la discographie principale ci-dessus pour la liste complète.


Notes

Nous remercions nos sources pour leur aide https://en.wikipedia.org/wiki/John_Coltrane

Traduction – Copyright 100% Django 2018-2019